Steve Jordan, el groove hecho magia

Hay grandes baterias en el panoraman actual, pero si tengo que elegir uno, por su elegancia y la capacidad de conceder una dimension mucho mas profunda a la musica que toca en cada momento, me quedo con Steve Jordan.
Seguramente estemos hablando de alguien que ha hecho del groove su seña de identidad, pero no hablamos de alguien que simplemente posee una gran tecnica, sino que tiene la capacidad de hacer suyos los ritmos dotandolos de un estilo realmente unico y muy particular. Su sentido del ritmo y su increible capacidad para frasear hacen que el ritmo se funda con cada nota y eleve el conjunto, mas bien como un todo, a niveles que he visto en poca gente.
Ha tocado con los mejores, desde Eric Clapton hasta John Mayer (con quien actualmente ha formado un proyecto de gran calidad como es el John Mayer Trio, con Pino Palladino al Bajo) dando lugar a muy buenas grabaciones y espectaculares directos (En el Crossroad Guitar Festival se puede ver perfectamente que cuotas es capaz de alcanzar).
Se mueve por estilos diversos pero realmente se le puede considerar un excelente baterista de Soul, Funky y Blues, sin embargo ha dado muestras de su capacidad tambien en estilos tan interesantes como el Jazz, el Latin y el rock and roll mas clasico.
La magia de Steve Jordan se encuentra especialmente en esa perfecta capacidad para crear nuevos grooves llenos de imaginacion y destreza, que a su vez se adaptan perfectamente a la cancion y que consiguen resaltarla a su vez. En definitiva no hay que mucho mas que decir, lo mejor es disfrutar de sus ritmos en cualquiera de sus trabajos y especialmente en directo.

La resurrecion del soul

Ultimamete estoy viendo muchos discos de soul que llegan al mercado y que para mi sorpresa tienen una gran calidad y a su vez comienzan a tener un publico cada vez mas mayoritario. El camino fue abierto de la mano de Amy Winehouse y todo la repercusion mediatica que ha tenido. Ahora mismo puedes disfrutar de grandes trabajos que oscilan entre el Soul, el Blues y el Funky. Gente como Joss Stone, Gnarls Barkley, Eli paperboy Reed, John Legend, Guy Sebastian o John Mayer han dado una nueva dimension al genero, dejando claro que se pueden hacer grandes trabajos y a su vez tener una salida comercial bastante buena. A esto hay que unir un numero mas que amplio de trabajos de viejas leyendas del Soul que aun estan en activo, como el es caso de Solomon Burke, Al Green o Eddie Floyd.
El Soul es un genero atemporal que realmente nunca ha sido verdaderamente apreciado en la epoca que vivimos pero que parece que ahora se esta redescubriendo y lo que es mas importante, esta gustando y llegando a todo tipo de gente, el Soul siempre ha sido un estilo muy rico en diversos aspectos ( me refiero a que realmente esta dotado de una instrumentalidad realmente compleja) que ha tenido un gran gancho para las audiencias, con ritmos muy pegadizos.
Aqui dejo una lista de albums destacados en los ultimos años y que recomiendo encarecidamente su escucha:

Joss Stone The soul sessions
Eli Reed Roll with you
John Legend Once again
Gnarls Barkley The odd couple
John Mayer Continuum
Guy Sebastian The Memphis album
James Hunter The hard way
Solomon Burke Like a fire
Al Green Lay it down
Bettye Lavette The scene of the crime

Grandes guitarristas actuales

Esta es una discusión llena de controversia debido a la multitud de puntos de vista y a la diversidad de gustos, sin embargo voy a intentar abarcar la mayor parte de géneros posibles aunque a fin de cuentas se tratará tan sólo de una opinión subjetiva en la que seguramente mucha gente eche en falta nombres que ellos consideran imprescindibles.
Por un lado están las leyendas que aún continuan en activo y a un nivel más que aceptable, con gente como Eric Clapton, B.B.King, Buddy Guy, Billy Gibbons (ZZ Top), Joe Walsh (The Eagles), Huggie Thomasson (The Outlaws y actualmente en Lynyrd Skynyrd), Tommy Iommi (Black Sabbath), David Hidalgo (Los Lobos), Steve Crooper (Booker t and the MG´s), Duke Robillard,Gary Moore, Robert Fripp (King Crimson), Jeff Beck, John McLaughlin, Carlos Santana, John Mayall, Pete Townshend (The Who), Mark Knopfler (Dire Straits), Chuck Berry, Keith Richards (The Rolling Stones), Jimmy Page (Led Zeppelin) y otros muchos más.
Pero a lo que yo voy es a esa gente que se está haciendo un nombre o consolidando como leyendas, dentro de este bloque hay diferentes nombres de estilos variados. Por un lado gente que está empezando a darse a conocer y es relativamente joven como John Mayer, Jonny Lang, Robert Randolph, Doyle Bramhall II (Participa de forma activa desde hace unos años con Eric Clapton), Derek Trucks, Omar Rodriguez ( The Mars Volta) o Luther Dickinson (North Mississippi All Stars). Luego hay que hablar de gente que tiene ya un trayectoria bastante considerable con nombres como Marc Ford (Black Crowes), Robert Cray, Warren Haynes (Gov´t a Mule), Johnny A., Kirk Hammett (Metallica), Steve Vai, Eric Johnson, Vince Gill, John Petrucci (Dreamtheather), Joe Satriani o Robben Ford.
Entro también a comentar nombres de gente de aquí, como Carlos Raya (Fito y los Fitipaldis), Hendrik Rover (Los Deltonos), Santi Campillo (Ex Mclan), Ariel Rot (Argentino pero practicamente instalado en España desde hace años), Sabino Méndez (Loquillo y los Trogloditas), Fernando Pardo (Sex Musseum), Nacho García Vega(Nacha Pop), Ramón Arroyo (Los Secretos), Juan Valdivia ( Héroes del silencio), Iñaki Antón (Extremoduro), Paco de Lucía, Raimundo Amador (Pata Negra) y una larga lista de nombres que aún quedan por mencionar.

Dentro de la capacidad de cada nombre de esta lista, lo más importante, a mi parecer, es que todos y cada uno logran que su guitarra sea como una voz que transmite puro sentimiento...

The Black Keys

Sin duda una de las últimas reinterpretaciones más imaginativas y brillantes del Blues. Con tan solo dos miembros, Dan Auerbach (guitarra y voz) y Patrick Carney (batería), han creado un sonido realmente único y muy particular , que por un lado deja notar una pura influencia del Blues más sureño (muy cerca de esa música voodoo que procede de los pantanos de Nueva Orleans) y el rock and roll (se puede ver una clara influencia de Led Zeppelin) pero por otro lado es una música tan particular que hace que sea una delicia disfrutar de sus discos.
A pesar que en un primer momento la limitación de ser sólo batería y guitarra parece insalvable (a pesar de casos como el de White Stripes) están realmente muy compenetrados y a su vez cada uno aporta detalles que consiguen llenar cada tema. Patrick funciona como un perfecto metrónomo llevando el tempo, dejando caer breaks imponentes que se mantienen muy dentro de la estructura de la canción y fraseando cuando la canción así lo pide. Por otro lado Dan sabe trabajar riffs muy rítmicos y fusionarlos con punteos y juegos de efecto. De esta manera logran ese sonido tan especial.
A pesar de tener ya ocho trabajos en el mercado (desde 2002) no han logrado verdadera repercusión hasta su penúltimo disco, Magic Potion (2006). Aunque realmente el punto de inflexión ha sido su nuevo álbum Attack and Release (2008) que les ha llevado a tener un reconocimiento importante por parte de la crítica y del público. Este último trabajo, Attack and Release, es sin duda su mejor disco y denota que han sufrido una evolución en su música que les ha llevado a tener un sofistificación mayor.
Para aquellos que empiecen a entrar en contacto con ellos les aconsejo escuchar detenidamente sus dos trabajos más recientes, donde destacan temas como Your touch, just got to be, goodbye Babylon, Psychotic Girl, Same old thing o Lies.
The Black Keys son sin más magia, negra, muy negra...

Discografía:

The Big Come Up (2002)
Thickfreakness (2003)
The Moan (2004)
Rubber Factory (2004)
Chulahoma: The Songs of Junior Kimbrough (2006)
Live in Austin, TX (2006)
Magic Potion (2006)
Attack and Release (2008)

Warpaint y los nuevos Black Crowes

Había cierta expectación con el nuevo trabajo de hermanos Robinson, sobre todo ahora que la vuelta de Marc Ford es prácticamente una utopía y porque llevan más de seís años sin publicar un álbum. El resultado a primera vista no es espectacular, si bien se queda lejos de grandes discos como lo fueron en su momento el Southern Harmony and Musical Companion y el Amorica , estos nuevos Crowes han facturado un más que correcto álbum donde el trabajo de Luther Dickinson (Actual guitarrista de North Mississippi All Stars ) es realmente brillante.
Sin sorprender a nadie se mantienen en su clásico sonido con tintes setenteros y con un tono sureño que tan popular les hizo en los noventa. La composición (letras y música) sigue en manos de los hermanos Robinson, bien trabajadas aunque sin la fuerza y la inventiva de antaño. Lo que realmente destaca de este trabajo es la increible labor de Dickinson, que realmente llega a impregnar en ciertas ocasiones a los Crowes de su sonido tan particular (canciones como god´s got it así lo reflejan) pero adaptándose a la vez al sonido que los Crowes necesitan. El resultado son temas llenos de matices y punteos evocadores ( el slide en el single Goodbye daughters of the revolution es buen ejemplo de ello) que denotan un trabajo muy sólido. Hay tiempos con ese toque entre sureño y de alguna manera místico como se puede ver en los temas Whoa Mule y Locust street. La parte rítmica está como siempre a la altura de lo que se espera de buenos músicos como lo son MacDougall, Gorman (está claro que es el batería perfecto para los Crowes y su vuelta es todo un acierto) o el propio Rich Robinson.
En definitiva la esperada vuelta de los Crowes no ha sido tal y como se esperaba pero no por ello malo, sino que abre el camino a algo a mi parecer muy interesante, el tiempo lo dirá...

LA SITUACIÓN DEL BLUES ACTUAL

Hay una pregunta que hace ya tiempo que me estoy haciendo, ¿qué le está pasando al blues?. En los útimos años cada vez salen menos discos de blues y de peor calidad (Clapton es ya lo único que hace bien pero aún asi está a años luz de sus mejores épocas). Ya no sé si pensar si el blues está evolucionando hacia otros caminos donde la base es la fusión, con el soul como es el caso de los discos de John Mayer o Derek Trucks Band(un matiz especialmente dotado por la voz de Mike Mattison y el buen juego de la percusión) o con el rock clásico como es caso de gente como White Stripes, John Spencer Blues Explosion (aunque a estos ya practicamente se les puede considerar veteranos), the Black Keys, Silvertide, Doyle Bramhall II, Susan Tedeschi o Joe Bonamassa (este tal vez el caso de blues puro y duro más claro de todos). Aún en el carro quedan grandes veteranos como ZZ Top, Eric Clapton, The Fabulous Thunderbirds,Robert Cray,Buddy Guy o John Mayall. Sin duda estamos en un momento adecuado para echar la vista atrás y empezar a tener en cuenta un estilo tan rico y lleno de caráter que aún puede dar mucho más de si, renovado y reinterpretado siempre desde el respeto de la base rítmica y el increible trabajo a la guitarra (puro sentimiento en cada punteo) para crear un nuevo camino. Sólo espero poder seguir descubriendo grandes discos de blues dentro de una década...

"Magic", Bruce Springsteen

Por fin está de vuelta el Springsteen más rockero, el mas Boss, con su E-Street Band... Y lo hace a lo grande con toda su vieja banda al completo (Steve Van Zandt, Patty Scialfa, Clarence Clemons, Max Weinberg, Nils Lofgren, Gary Tallent, Danny Federici y Roy Bittan) volviendo a las raíces de su mejor música (por lo menos la más ahelada), los años del Born to Run y el Darkness on the edge of the town. El albúm presenta doce pistas llenas de fuerza que se presentan como un todo bastante completo (muy dentro del sonido Springsteen pero con ciertos detalles que dejan notar la evolución de su música) con temas rockeros puros y duros como Radio nowhere o You´ll be comin down y otros más introspectivos como Magic o Terry´s song. También abundan los medios tiempos con toques folk (muy del Boss) como Long walk home o Gypsy biker. En general yo destaco tres canciones por encima de todas, Livin in the future, Devil´s arcade y Radio nowhere. En definitiva, creo que se trata de un álbum muy especial, por un lado por recuperar el espíritu de sus viejos discos y por otro por hacer un enorme trabajo que desprende calidad por los cuatro costados: las guitarras de Van Zandt y Lofgren dan tanto un sonido muy poderoso y enérgico como un tono más contenido cuando es necesario, el trabajo de Max Weinberg y Tallent al bajo hacen que el ritmo sea impecable aunque aportando los detalles necesarios para crear un sonido especial, Clemons aporta ese sonido tan especial de su saxo de manera muy puntual y adecuada, el buen hacer en el piano por parte de Bittan y Federici, la mujer de bruce Patty Scialfa está magnifica en los temas más calmados y en los coros y, como no, el boss que pone la magia (las letra vuelven a ponerte los pelos de punta por su sinceridad y ese toque que siempre tiene Springsteen).

1. "Radio Nowhere" – 3:20
2. "You'll Be Comin' Down" – 3:46
3. "Livin' in the Future" – 3:56
4. "Your Own Worst Enemy" – 4:19
5. "Gypsy Biker" – 4:32
6. "Girls in Their Summer Clothes" – 4:20
7. "I'll Work for Your Love" – 3:35
8. "Magic" – 2:46
9. "Last to Die" – 4:17
10. "Long Walk Home" – 4:35
11. "Devil's Arcade" – 5:20
12. "Terry's Song" – 4:11 (hidden track)

Para más información sobre el Boss mira en:

http://www.brucespringsteen.net/

http://www.springsteencorner.com/

Kula Shaker

Crispian Mills es el nombre del "profeta" que pone voz a esta banda inglesa nacida en los 90. Magníficas composiciones basadas en la conjunción del sonido más británico y el espíritu de la India son su marca personal e indeleble, capaces de trasladarte a lejanos lugares a través de sus impecables grabaciones de estudio y sus enérgicos directos.

En realidad, Kula Shaker comienza a gestarse en 1988, cuando Crispian Mills conoce al bajista Alonza Bevan, formando la banda Objects of Desire. Tras la disolución de la banda, Crispian viaja a la India, de donde regresa cargado de influencias que serán la base del sonido de Kula Shaker. En 1993, de nuevo junto a Alonza Bevan, forman la banda The Kays, de la que ya son integrantes Paul Winterhart y Jay Darlington, que constituirán la primera formación de Kula Shaker. Este nombre, el de Kula Shaker lo adoptarían en 1995, debido a una "revelación": debían buscar la espiritualidad (el nombre Kula Shaker hace referencia al santón indio Kulashekhara).

En ese mismo año, Kula Shaker gana el concurso In The City, gracias a lo que consiguen un contrato con Columbia Records. Pero no es hasta 1996 cuando la banda inglesa cobra cierta relevancia, con su segundo single titulado Grateful When You're Dead (tras Tattva, su primer sencillo). El reconocimiento por parte de los medios hace que una nueva grabación de Tattva alcance el número cuatro en las listas de Reino Unido. En octubre del 96, ve la luz el primer álbum de Kula Shaker, K, cosechando un gran éxito de ventas. Las características fundamentales del sonido de Kula Shaker ya están presentes aquí: guitarras explosivas y potentes riffs mezclados con las tradiciones de la India.

En 1997, publican su mayor éxito, una versión de Hush (de Joe South), conocida en todo el mundo. En ese mismo año, aparece su EP Summer sun, una colección de seis caras B, dirigida al mercado estadounidense.

El disco anunciado para 1998 tuvo que esperar hasta 1999 para ver la luz, con el título de Peasants, Pigs & Astronauts, grabado en el estudio de David Gilmour, Astoria. Pero el esperado éxito del disco no fue tal. Finalmente, Kula Shaker anunció su separación en septiembre de 1999.

Tras la disolución, cada uno siguió su camino, algunos con más éxito que otros. Crispian Mills formó la banda The Jeevas, consiguiendo cierto éxito. Pero tras cinco años sin Kula Shaker, la colaboración en un álbum para obtener fondos para una escuela californiana nos brindó su reaparición. Mills y Bevan encontraron fructífera esta reunión y decidieron volver a componer juntos y resucitar a Kula Shaker. Es en 2006 cuando Kula Shaker anuncia oficialmente su regreso de manera permanente, con la incorporación de Harry Broadbent a los teclados en sustitución de Jay Darlington (teclista en las giras de Oasis). Esta reunión nos trae un EP de cuatro canciones en 2006, The Revenge of The King, que mantiene el espíritu característico de Kula Shaker.

Ya en 2007 aparece el tan esperado tercer disco de Kula Shaker, Strangefolk. Como curiosidad, podemos añadir que el disco incluye una "bonus track" en todas sus ediciones, salvo en Japón, donde incluye tres.

El regreso de Kula Shaker es una de las mejores noticias del mundo musical de los últimos años. La banda ya ha realizado una gira por Europa, actuando en diferentes festivales; y se prevé que siga girando para presentar este último disco. En cada concierto Mills y los suyos demuestran que siguen en plena forma produciendo un auténtico placer para los sentidos y una experiencia única.

Discografía de Kula Shaker:

K (1996)
Summer Sun (EP, 1997)
Peasants, Pigs & Astronauts (1999)
Kollected (Recopilatorio, 2002)
The Revenge of the King (EP, 2006)
Tattva: The Very Best (Recopilatorio, 2007)
Strangefolk (2007)


Para más información mira en:

http://en.wikipedia.org/wiki/Kula_Shaker

http://www.kulashaker.co.uk/

http://www.myspace.com/kshaker

Peter Green

Sin duda, uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos y a su vez uno de los menos reconocidos. Siempre asociado a Fleetwood Mac y al blues inglés (junto con otros nombres como Cream, John Mayall, The Rolling Stones, The Yardbirds...) tuvo una carrera un tanto peculiar e inusual. Ésta comenzó en 1965 de la mano de John Mayall para sustituir temporalmente a Eric Clapton en los Bluesbreakers, entrando un año después en la banda de manera definitiva cuando Eric Clapton forma Cream. Durante estos años la técnica de Peter lograría una mayor solidez y profundidad. En 1967 Green, junto al batería de los Bluesbreakers, Mick Fleetwood, el guitarrista Jeremy Spencer y más adelante el bajista (también perteneciente a los Bluesbreakers) John McVie formarían Fleetwood Mac, sacando un primer y sorprendente disco, Peter Green´s Fleetwood Mac(1968). En este primer álbum ya se pueden ver la sencillez y la fuerza de un blues increíble que define la música del grupo (Shake your money maker y No place to go son los temas más destacables de este álbum). Ese mismo año publicarían un sencillo que se convertiría en su buque insignia, Black magic woman (versionada por Carlos Santana con un éxito enorme) y en 1969, tras el disco Mr.wonderful, Albatross (un tema instrumental sencillo pero con un gran poder hipnotizador). Tras este álbum, discreto a mi entender, publicarían uno de los mejores LPs de la época, Then play on (1969), lleno de increíbles temas que daban una nueva perspectiva al blues como Oh well, My dream o Coming your way. El declive del grupo comenzaba a partir de aquí; los tonteos con las drogas (el lsd en especial) que antes habían reportado imaginativas canciones comenzaban a oscurecerse (la enfermedad mental de Peter Green comenzaba ya a manifestarse de forma gradual). Aún así el grupo nos dejó grandes delicias como The Great Manalishi (una pieza oscura y absorvente que denotaba el estado mental en el que se hallaba Peter Green), Man of a world (un tema con poderosos riffs que les llevaría al número uno en las listas de Reino Unido). Sus dos últimos discos dejaron un mal sabor de boca a todos los fans y terminaron por separar los caminos de todos (Kiln house-1970- y The end of the game-1971-).
Durante varios años Peter Green iría haciendo apariciones esporádicas hasta que en 1996 reaparecería definitivamente con su nuevo grupo Splinter group (junto con Neil Murray y el famoso bateria Cozy Powell), una interesante apuesta por el blues-rock (en un mal momento para el blues) que dejaría dos buenos álbumes a los fans de Green y su música, Robert Johnson songbooks (1998) y Clown (2001).


Para más información sobre Peter Green mira en:

http://www.fleetwoodmac.net/penguin/peter.htm

http://en.wikipedia.org/wiki/Fleetwood_Mac

http://en.wikipedia.org/wiki/Peter_Green_(musician)

Robert Randolph

Carismático en el escenario, Robert Randolph es uno de los interpretes de guitarra más aclamados en la actualidad. Casi siempre sentado frente a su pedal steel guitar (es uno de los mejores en el mundo en esta especialidad) y acompañado por su Family Band (junto con su primo Marcus Randolph a la bateria y viejos amigos como Danyel Morgan al bajo) siempre da muestras de su gran talento. La Family Band se forma en 2001 sacando su primer disco un año después bajo el título Live at Wetlands, un disco en directo que recoge la tradicción soul y funky dejada por Sly and the Family Stone o grupos como the Bar-kays y Funkadelic. En 2003 publicarían su primer trabajo de estudio, Unclassified, que dejaría entrever el buen pulso que Robert y los suyos habían cogido al funky y al soul para darle una nueva visión más actual. Hasta 2006 no publican ningún trabajo y se dedicarán a largas giras a lo largo de todo Estados Unidos como Robert Randolph and the Family Band (siendo grupo de apoyo de Eric Clapton y en solitario) ganandose enorme popularidad entre los fans del blues y el funky/soul. En octubre de 2006 publicarían su tercer álbum, el Colorblind. Este último trabajo tuvo una especial acogida por la crítica y por el público (ya empiezan a tener cierto nombre dentro de Estados Unidos). Colorblind está lleno de buen funky y soul donde destaca su potente ritmo (debido al gran trabajo del bajo y batería que es capaz de revestir los viejos moldes dándoles una nueva perspectiva, aunque siempre dentro del género) y el impresionante trabajo de Robert a las cuerdas del pedal steel guitar lleno de punteos de ensueño y bien apoyados por la magnífica labor de Jason Crosby al órgano. El disco funciona muy bien como una sola pieza que le convierte en uno de los imprescindibles del género.

Hay que destacar también la interactividad con el público en los conciertos resultando de lo más divertidos llevando al límite lo que es el espíritu funky, de esta manera los conciertos se vuelven toda una experiencia que vivir (ahora esperemos verles por aquí no tardando mucho).

En definitiva se trata de un estupendo músico y de un guitarrista de enorme talento (como así lo han dicho Clapton, Buddy Guy o Jimmy Vaughan -sin tener en cuenta que está considerado uno de los 100 mejores guitarristas de la actualidad según la Rolling Stone americana).

Discografía de Robert Randolph and the Family Band:

Live at Wetlands (2002)
Unclassified (2003)
Colorblind (2006)

Para encontrar más información visita:

http://www.myspace.com/robertrandolph

http://www.robertrandolph.net/

John Mayer

A menudo se dan casos de músicos de gran talento que no explotan hasta que realmente tienen claro el camino que han de seguir y la libertad para ello. Éste es el caso de John Mayer, un guitarrista y cantante de enorme calidad que actualmente se ha consolidado como un nombre importante dentro del panorama del blues actual (un fijo del festival Crossroads de Eric Clapton y habitual colaborador en conciertos de leyendas del blues de la magnitud de Buddy Guy o Robert Cray) haciendo a su vez blues, soul y un rock muy singular con toques de funk y rythm and blues.

Virtuoso de la guitarra (cursó estudios en el Berklee College of Music en Boston) comenzó joven tocando en muchos locales del circuito de blues hasta formar la banda Lofi Masters con quien apenas estaría un par de años. En 1999 publica su primer álbum , Inside wants out , que le ayudaría a entrar tímidamente en el mercado norteamericano. Sería en 2001 cuando empiece a tomar mayor relevancia con su segundo trabajo (ciertamente mucho más elaborado y con más medios ) bajo el título Room for squares. Este trabajo le daría un Grammy (mejor canción pop por Your body is a wonderland) y varios éxitos en las listas estadounidenses. Ya con cierto nombre publica su tercer trabajo, Heavier things, que se convierte en toda una revelación consiguiendo buenas críticas (aunque aún lejos del nivel que se le presuponía) dando alguna buena muestra como la canción Daugthers (por la cual ganaría un nuevo Grammy, esta vez a la mejor canción).

Hasta este punto la carrera de John Mayer está de alguna manera estancada en lo que querían de él, dando correctos trabajos dentro de una línea musical demasiado anclada en el pop, cuando John es un gran guitarrista que estaría mucho más comodo entre el blues y el soul. En 2004 todo cambió dando un tremendo giro a su carrera musical. John empezó a estar en contacto con grandes músicos asociados al blues (Clapton, Buddy Guy, B.B.King....) y a dejar que su música creciera (cogiendo lo bueno que tenía de su etapa anterior y dándole una forma nueva llena de ritmos de blues, rythm and blues y funk) permitiéndose hacer lo que le gusta, disfrutando de la guitarra (su manera de tocar es prácticamente única y esto le convierte en uno de los mejores guitarristas que existen en la actualidad) y divirtiéndose en el escenario (se nota la química que tiene con sus músicos -ya sea con los baterías J.J.Johnson y Steve Jordan o con el bajo Pino Palladino). Todos estos cambios se dejan notar de manera clara en sus nuevos trabajos : con su nueva banda John Mayer Trio (Try-, 2005) o en solitario(Continuum, 2006).

En esta nueva etapa demuestra de lo que realmente es capaz, con dos trabajos impresionates, brillando en el primero su capacidad instrumental (aunque no exenta de buenas letras) y en el segundo su gran calidad como compositor (aunque la diferencia esta vez está en lograr una especial compenetración entre el trabajo como compositor y su virtuosismo como músico). Este cambio de rumbo le ha deparado muy buenas críticas y un Grammy al mejor álbum del año.
Pero donde realmente se puede ver el gran talento de John Mayer es en los directos, donde ha dejado muestras de su amor a la música y en especial al blues. Así lo demuestra en las actuaciones en el Crossroads festival (al lado de los mejores guitarristas del mundo como lo son Eric Clapton, Steve Vai, David Hidalgo, James Taylor, B.B.King, Buddy Guy, Joe Walsh y un largo etc.) o con su banda (donde milita a mi parecer uno de los mejores baterías de la actualidad, Steve Jordan).

En definitiva se trata de un singular músico con un increíble talento que ha tardado en explotar, pero cuando lo ha hecho ha dejado boquiabiertos a más de uno (incluído yo mismo) y que esperemos continúe dejándonos muy buenos trabajos que disfrutar.

Discografía de Joh Mayer :

Inside Wants Out, 1999
Room for Squares, 2001
Any Given Thursday, 2003 (live)
Heavier Things, 2003
As/Is 2004 (live)
Try! (como John Mayer Trio), 2005
Continuum, 2006

Si quieres más información mira en:

http://www.johnmayer.com/

http://www.myspace.com/johnmayer

http://www.johnmayertrio.com/

Derek & The Dominos

Hablar de Derek & The Dominos es hablar de la épica del rock y el blues, hablar de la historia de la música y las nuevas direcciones que ésta tomaba en los 70. La fugaz y a la par brillante historia de Derek & The Dominos comienza a gestarse en otra banda: Delaney & Bonnie & Friends. Tras su paso por Cream y Blind Faith (entre otros grupos como los míticos Yardbirds), Eric Clapton buscaba a finales de los 60 nuevos caminos. Su participación en Delaney & Bonnie & Friends fue fundamental, ya que junto al segmento instrumental de la banda formaría Derek & The Dominos en 1970. El teclista Bobby Whitlock y Eric Clapton se erigen en las cabezas pensantes del grupo, demostrando formar un equipo compacto y con calidad en la composición, bien arropados por Jim Gordon, Carl Radle y Dave Mason (todos ellos de Delaney & Bonnie & Friends).

En ese mismo año 1970, el grupo, aún sin nombre, actúa como banda de estudio para el beatle George Harrison (amigo íntimo de Clapton) en la grabación de su magnífico disco en solitario All things must pass. De esta manera arranca la andadura de Derek & The Dominos, que comienza a ofrecer conciertos como banda y, sólo unos meses más tarde, graban su primer y único álbum de estudio, Layla and other assorted love songs, donde la fórmula de la mezcla del blues y el rock queda patente. El disco es un éxito en cuanto a la crítica, pero no en cuanto a ventas. Su verdadero éxito no llega hasta 1972, con la publicación de Layla como single, sin duda la obra maestra de Derek & The Dominos. El single alcazó el número uno en las listas de ventas a ambos lados del Atlántico.

En relación con la grabación de este disco hay que añadir otro nombre de peso, Duane Allman. La participación del mayor de los Allman en Derek & The Dominos se debe al productor Tom Dowd, que estaba produciendo al mismo tiempo el album de Derek & The Dominos y el Idlewild South de los Allman Brothers. Dowd presentó a Clapton y Duane en los estudios Criteria, ya durante las sesiones de grabación y la conexión entre ambos fue inmediata. Tras una productiva "jam session" entre ambos (algunos cortes de esa sesión fueron utilizados posteriormente para el disco de Clapton Blues) la participación de Duane en Derek & The Dominos era necesaria, aportando su soberbio manejo del slide. Duane no sólo colaboró en toda la grabación de Layla and other assorted love songs, sino que también se unió a la gira de la banda por EE.UU., aunque nunca llegó a formar parte de la misma como miembro fijo.

Pero el final llegó de manera prematura. La muerte de Duane Allman en un accidente de moto en 1971, unida al mínimo éxito inicial del disco, afectó tanto a Clapton que se refugió en el consumo abusivo de heroína, llegando a abandonar la música durante varios años. Sin duda, el desencadenante de la disolución de Derek & The Dominos fue la muerte de Duane Allman, ya que el conjunto se encontraba grabando el que hubiera sido su segundo álbum de estudio cuando sucedió la tragedia. La banda terminó su camino no sin antes dejarnos un par de directos imprescindibles: Live at the Fillmore (una auténtica perla) e In Concert.

Derek & The Dominos apostó por la combinación del rock y el blues de manera magistral, tanto con composiciones propias como versiones clásicas de canciones de Freddie King o de Jimi Hendrix entre otros. El trabajo en conjunto de un Eric Clapton en su mejor momento tras el final de Cream y Duane Allman al slide nos dio una de las joyas de los 70.

Discografía:

Layla and other assorted love songs (1970)
In Concert (1973 -grabado en 1970-)
Live at the Fillmore (1974 -grabado en 1970-)

Si buscas más información pásate por:

http://www.ectours.de/cgi-bin/frame.pl?file=ec1970.shtml

http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&uid=7:53:19|PM&sql=Bki0qoaeabijp

Sidonie

La historia de Sidonie es la de muchos otros grupos del universo maquetero, tres amigos, Axel (Bateria), Marc (Voces y guitarra) y Jesús (Voces y bajo), empiezan a tocar versiones de sus canciones favoritas, hasta que deciden grabar una maqueta, Sidonie, que vendrá seguida de muchos otros colores, Blanca, Roja y Verde serán los títulos de las siguientes, se está gestando el grupo.

Su gran oportunidad viene de la mano del primer concurso de música Joven de Baix de Llobregat, en el que se proclaman vencedores, posteriormente vendrá la grabación de su primer ep, Dragonfly (Bip Bip Records, 2000), trabajo que se encargan de presentar en directo, ataviados con trajes de La Pantera Rosa, el Señor Tomate y Gerald el Topo incluyen parte del surrealismo de sus canciones en la experiencia del directo. En 2001 debutan en el FIB.

Su primer disco, Sidonie (Bip Bip Records, 2001) ya da todo de si en canciones, siempre en inglés, que, en muchas ocasiones sirven como banda sonora para distintas campañas publicitarias. En este disco debut destacan principalmente Feelin`Down 01, campaña de Fnac y Venusian Dreams, en la que destaca las influencias orientales del grupo.

Para su segundo disco consiguen un contrato con una multinacional, Sony, Shell Kids (Sony, 2003) un disco bastante más completo que el primero, pero cuya aceptación es menor por el público, no tanto por la crítica que encumbra al grupo como uno de los mejores del nuevo siglo dentro de la música pop española, la genial On The Sofa abre el disco, marcando el estilo que seguiran las siguientes, Bla Bla Bla o Standing Together. La influencia del pop británico se hace la dueña de este disco, recordando, en demasiadas ocasiones, a los beatles, Moments.

Su tercer disco es Fascinado (Sony, 2005), en el que cambian el idioma del grupo al español, el plato fuerte de Sidonie son las melodías, los sonidos pop y la electrónica, con lo que consiguen que la transición al nuevo idioma en el que componer sea una evolución positiva en su música, lo psicodélico sigue estando al alza en este nuevo disco, que se inicia con la canción Fascinado, las canciones en español mantienen una sencillez que contrasta con la psicodelia de las melodías. Dentro del disco tambien son recomendables Jardin Polar y Dos murciélagos.

Hace menos de un mes han publicado su último disco, Costa Azul (Sony, 2007) en el que, según ellos mismos, se esfuerzan por hacer más fuerte la melodía de sus canciones, incluyen mucho más rock, nuevos instrumentos, y por encima de todo, un buen trabajo en los arreglos, las canciones están inspiradas en la literatura de Scott Fitzgerald.

El único representante español de un estilo de música diferente, podríamos llamarlo pop psicodélico, con muchas influencias de la música británica, con toques de música india, en un gran directo es cuando más desarrolla su potencial, haciendo al público parte de su espectáculo de cascos de astronauta y otros disfraces.

Su último disco y más información en:

http://www.sidonie.net/

http://blogs.supernovapop.com/sidonie/index.aspx

http://www.myspace.com/sidoniespace

Marc Ford, whisky y rock and roll

Marc Ford es un buen ejemplo de guitarrista elegante y con amplitud de registros. Para hablar de sus comienzos en esto de la música tenemos que remontarnos a finales de los 80, momento en el que formó el trío Burning Tree. A pesar del mínimo éxito de la banda, consiguieron telonear a otros grupos más relevantes como The Black Crowes. Gracias a esto, Ford comenzó a colaborar con The Black Crowes en diferentes eventos. Finalmente, entraría a formar parte de la banda en 1992. El periplo de Ford en los Black Crowes duraría cinco exitosos años, hasta 1997; de esta manera, su participación fue directa y esencial en los discos de mayor éxito de la banda de Atlanta, como The Southern Harmony and Musical Companion. Aparte de una técnica envidiable en el uso de las seis cuerdas, Ford introdujo en los Black Crowes un sonido sureño y sucio que aportaría carácter al conjunto.

La salida forzada de Ford de los Black Crowes en 1997 parece ser que tuvo como causa principal sus problemas con las drogas. Tras su salida de The Black Crowes, Ford ha colaborado con bandas del movimiento "jam" más actual de E.E.U.U., como Gov't Mule (banda con la que se ha comparado mucho su estilo en solitario). Durante los últimos años ha participado con Ben Harper, echándole una mano en diferentes conciertos, apareciendo con él en algunos espacios televisivos de E.E.U.U. y colaborando en la grabación del último disco de Harper, Both sides of the gun.

La carrera de Marc Ford en solitario se remonta a su expulsión de los Black Crowes, lo que le llevó a sacar su primer disco en solitario con el título de It's about time en 2003. Tras ese disco, y sin una banda que arropase sus composiciones, no ha vuelto a presentarnos un nuevo trabajo hasta este mismo año 2007, con la edición de su Weary and wired. En este disco cuenta con la ayuda de sus antiguos compañeros de Burning Tree. Actualmente, gira con su propio nombre, Marc Ford, o con el de Burning Tree indistintamente.

En las composiciones de Ford podemos encontrar un amplio abanico de sonidos y texturas, desde el hard rock hasta el folk, sin dejar nunca de lado el blues y los sonidos sureños, efectivamente, muy en relación con Gov't Mule, aunque con más pegada. A pesar de que él mismo dice que no le gusta "escuchar solos de guitarra ni tocarlos" y de que hay quien afirma que estamos ante un "anti-guitar hero" al estilo de Neil Young, sus discos estan repletos de sólidas guitarras y brillantes solos en su justa medida, mostrando una gran técnica.

Discografía en solitario:

It's about time (2003)
Weary and wired (2007)

Si te interesa Marc Ford aquí están su web y su myspace:

http://www.marcford.net

http://myspace.com/marcfordmusic

The last waltz, The Band

1976, Robertson y los suyos decidían poner punto y final a uno de los mejores grupos de los 60/70 tras una década juntos (ya sea como grupo de acompañamiento de Ronnie Hawkins y de Bob Dylan o como The Band), y lo hicieron a lo grande, con un espectacular directo acompañado de grandes músicos y amigos.

Este magnífico concierto fue bautizado con el nombre de the last waltz y congregó a nombres como Eric Clapton, Bob Dylan, Van Morrison o Neil Young, entre otros. Sin duda uno de los mejores directos de la historia (carismático y lleno de momentos memorables que han pasado a la historia del rock and roll).

Era un 25 de noviembre, acción de gracias. Sonaban los primeros acordes cuando el Winterland (San Francisco) rugía para dar la bienvenida al grupo (Robertson, Danko, Manuel, Hudson y Helms). El primer invitado en aparecer fue Ronnie Hawkins para tocar la mítica pieza Who do you love de manera incendiaria. El calor siguió subiendo después cuando Dr.John (el brujo de New Orleans) a su mágico piano tocó el blues Such a thing. Entonces llegaba el legendario tema de la banda, The weight, que hizo lenvantar hasta la última alma del público. Tras las colaboraciones de Bobby Charles y Paul Butterfield pisaba el escenario una de las mayores leyendas del blues, Muddy Waters, para dejar algunos de los mejores momentos del día con Caledonia y Mannish boy. Momentos después pasarían por el escenario Clapton, Joni Mitchell y Neil Young tocando temas tan especiales como Helpless (Neil Young), Fourther up the road (Clapton) o Furry sings the blues ( joni Mitchell) poniendo el listón tan alto que ya parecia una noche insuperable... Pero nada más lejos de la realidad, puesto que los mejores momentos aún estarían por llegar. Después de unos temas con Neil Diamond y Van Morrison (que dejó una increíble y magistral versión de su Caravan) el público estalló en ovaciones cuando tocaron The night they drove old dixie down y sobre todo cuando Bob Dylan salió a tocar una vez más con sus chicos. Junto con Dylan dejaron los momentos más melancólicos de la noche con dos de los mejores temas de la velada, Forever young y I shall be realesed. Así el conciero llegaba a su fín a la vez que the band se despedía entre lágrimas en una noche inolvidable para todos los presentes.

Si quieres saber algo más de The Band pásate por:

http://theband.hiof.no/

Wolfmother, ecos de los 70

Siempre llega buena música desde las antípodas, y el caso de Wolfmother no podía ser distinto. Ya era hora de que apareciese alguien así... Tardé en descubrirlos, pero por suerte siempre está ahí la red de redes que, a veces, te brinda la oportunidad de encontrar pequeños tesoros. Esta joven banda procedente de Sydney se merece un hueco en los corazoncitos rockeros. ¿Por qué? Por varias razones; pero la principal es su enérgico sonido que inevitablemente nos recuerda a los grandes de los setenta, a Black Sabbath, a Led Zeppelin, con poderosos riffs de guitarra, una enorme presencia del bajo que inunda todo, una voz con innumerables registros, el intento por resucitar los solos de guitarra de una manera moderada, una construcción de melodías impecable y, sobre todo, actitud. Todo eso es lo que ha llevado al "power trio" australiano a triunfar en todo el globo con su único disco por el momento, el homónimo a la banda Wolfmother (2005). Todo eso y la capacidad de mirar hacia el pasado para construir algo novedoso y actual.

En realidad el éxito ya llegó en 2004, cuando su EP, de idéntico nombre (Wolfmother) consiguió vender más de 10 000 copias. Y es que Andre Stockdale (voz y guitarra), Chris Ross (bajo y teclados) y Myles Heskett (batería) han conseguido crear al instante clásicos modernos como su hit Woman, incluído en este primer álbum y ya reconocible por todos, entre otras cosas por aparecer en un spot publicitario de una conocida marca de videojuegos.

Lo bueno de Wolfmother es la variedad. Sí, digo variedad, porque aunque a primera vista parece que la banda cae en la monotonía no es cierto. A lo largo del disco se pueden escuchar muy diferentes texturas y estilos. Vagabond presenta un comienzo totalmente folk, una guitarra acústica y un bombo, y en seguida una guitarra eléctrica para cambiar la canción por completo. Nada que ver con Withcraft, que comienza con un riff totalmente setentero y pegadizo. Joker & The Thief, por su parte, se inicia vertiginosa con los teclados que se funden con la guitarra en un magnífico deleite para el oído. No hay más que decir, sólo ver y escuchar...

Para conocer novedades sobre Wolfmother:

http://www.wolfmother.com/

Y si los quieres escuchar:

http://www.myspace.com/wolfmother

Pauline en la playa

Pauline en la playa surge de Undershakers, el mejor representante del Xixón Sound de los 90, como un complemento del mismo, las hermanas Alicia y Mar Álvarez deciden que tienen que dar salida canciones propias, y las dos bandas conviven en paralelo una temporada hasta la disolución de Undershakers.

El nombre del grupo proviene de la película homónima del francés Eric Rohmer.

El pop melódico que realizan se desmarca rápidamente de lo que fue su primera banda, dejando claro que el estilo es otro, las letras de lo cotidiano, cantadas en español y los sonidos cercanos al jazz.

Su primer disco partió de Subterfuge, la discográfica también de Undershakers, y se trata de un mini de seis cortes, Nada Como el Hogar, 1999, fieles testigos de en qué se convertiría el grupo posteriormente, letras sencillas, llegando incluso a lo infantil. Música con una personalidad propia basada en los sonidos acústicos. En este primer anticipo destaca Titubeas.

El segundo disco de Pauline en la Playa es Tormenta de Ranas, 2001, cierta evolución en los sonidos, incluyendo nuevos instrumentos y manteniendo la estructura, unas letras sencillas:

Es tan bonito y nada especial,
algo insignificante.
Es anodino y habitual.
Es sólo ese café,de las diez,
que algunos llaman el tentempié.

(Insignificancia en si menor)

y un poso de pop melódico. La canción más popular del disco es rueda corazón, también incluyen un corte grabado en directo, se trata del último corte del disco, Es Natural.

Dos años después publican Termitas y Otras Cosas, 2003, el disco es mucho más completo que los dos anteriores, su sonido ha evolucionado hacia un lado semi-oscuro, los sonidos varían, ya no se trata de una banda de quinceañeros, a pesar de que las letras siguen siendo sencillas hablando de lo diferente que existe en lo habitual, éxitos como Pasos de Ratón, comparten con introspecciónes como Rumbo Norte.

Su último disco es Silabario, 2006, en el que prosiguen con su línea de instrumentación minimalista, dibujando nuevos escenarios de la vida habitual, no han perdido la sencillez de sus letras, la candidez de sus canciones.

Pauline en la Playa se trata de un grupo, instalado en el pop melódico, que muestra cómo se pueden hacer grandes canciones de pequeños susurros.

Más info:

http://www.paulineenlaplaya.com/

http://www.myspace.com/paulineenlaplaya

http://www.fotolog.com/silabario/

Los piratas (La segunda parte)

Lo que se había iniciado con determinadas canciones ya no pudo detenerse. La renovación estaba en camino, pasan a denominarse Piratas, su música ha mutado, las nuevas canciones se basan en la electrónica y la complejidad en las letras. En un principio Warner se negó a editar su nuevo disco, era demasiado oscuro y electrónico, al final, bajo la exigencia de que contuviera alguna canción más comercial se editó ultrasónica, 2001. El gran éxito del disco, la condición de Warner es Años 80.

Pero el disco está repleto de magníficas canciones, de la profundidad de unas letras que expresan sin tener que decir nada:
Confía en mí
nunca has soñado
poder gritar
y te enfureces
es horrible el miedo incontenible
de una base electrónica que completa la oscuridad de todas sus canciones. El disco actúa como un todo, sin poder separar una canción de las demás.

Con la reedición del disco aparece Sesiones Perdidas, una Jam Sessión que Piratas se permite hacer, inéditos, versiones, remezclas y canciones en directo forman parte de él, forman parte de un todo estudiado dirigido a los fieles, para disfrute propio y ajeno de la versatilidad y espontaneidad del grupo, destacables son si tu, Laura, Días Extraños...

Tras el éxito de Ultrasónica graban su último disco, Relax, donde se hace mucho más patente toda la mutación de su música, definitivamente más electrónica, y letras más oscuras, la clarividencia en los mensajes de Relax se pierde, ahora ya no se habla(canta) tan claro. El encargado de la nueva desviación del sonido es Suso Saiz. Canciones como Inerte, Reiniciar o Audrey suponen verdaderos himnos de su nueva música.

Como previendo lo que posteriormente iba a pasar Piratas edita tres singles al hilo de la edición de Relax, son Inerte, Dinero y Respuestas, parece que quisieran hacer cuatro discos con el nuevo estilo, perpetuarlo en los oidos de los fieles y no fieles.

El último momento estelar de piratas se vivió en la madrileña sala La Riviera, que siempre fue mítica para el grupo, en la que ofrecen, a todos los fieles su último concierto(cosa no del todo cierta, ya que posteriormente tocaron en la sala Galileo), pero sí fue su despedida, en él ocurrieron cosas que nunca se olvidarán, las colaboraciones de Suso Saiz a la guitarra, Amaral, Bunbury, y el Drogas estan marcadas a fuego entre los que asistimos al concierto.

El homenaje a los fieles por parte de piratas aparece en la recuperación de tal concierto como disco, titulado "Fin(de la Segunda Parte)", 2004, que incluye un DVD con el concierto al completo.

En definitiva, uno de los grupos más completos de los últimos años en España, que ha sabido amoldar sus canciones al tiempo, y a la distancia, como dice Ivan Ferreiro.

Página de los fieles: www.lospiratas.org

Para escuchar algo: http://www.myspace.com/lospiratasspain

Blog de Iván Ferreiro: http://www.ivanferreiro.blogspot.com/

Robert cray

Sobre todo un buen guitarrista y un cantante con enorme talento. Su blues con ciertos toques del mejor soul hacen de su música una experiencia única y muy especial dentro del género.

Robert Cray (1953, Columbus, Georgia) empezó a volcarse de lleno en el blues en 1969 cuando tras un concierto del mítico bluesman Albert ''Iceman'' Collins decidió convertirse en un verdadero virtuoso de la guitarra (aprendió el estilo, nota por nota, de éste para hacerlo suyo llevándolo a su terreno). En 1971 fundó la Robert Cray Band y fue grupo de acompañamiento de Collins y otros bluesman (B.B.King sería uno de ellos). Así fue haciéndose un nombre dentro del circuito de blues estadounidense poco a poco, hasta ser considerado como unos de los mejores bluesman (muchos de sus detractores no le consideran un bluesman puro por sus eclécticas influencias siendo el soul la más notable).

En 1981 publicaría su primer álbum con su banda llamado Who's been talkin' (no tuvo una gran repercusión debido a que la compañía que lo publicó quebraría al poco de estar en el mercado). Aún así este disco sería aclamado por otros grandes del género como Muddy Waters o John Lee Hooker. Su siguiente trabajo, Bad influence (1983), realizaría un trabajo mucho más maduro y uno de los mejores de su carrera. Para su tercer trabajo se reuniría con Albert Collins y Johny Copeland que llevaría por título Showdown (1985) con el que sería recompensado con un Grammy y vendería un millón de copias siendo la grabación de blues más vendida de los últimos veinte años. En este disco ya se podía notar de una forma muy consistente un sonido cercano al soul de la Stax (gracias en gran parte al trabajo de la sección de metales The Memphis Horn). Strong persuader (1986) fue un trabajo épico que convirtió a Robert Cray en el artista de blues de mayor éxito comercial de la década. Continuaría haciendo grandes discos con su banda aunque ninguno de la repercusión de los anteriores hasta grabar en 1999 Take your shoes off que le devolvería a las listas de éxitos (disco de enorme calidad donde el predominio de soul le da un sabor realmente especial, uno de mis favoritos, sin duda). Su último disco data de 2005 (sin contar un directo de reciente factura) con el nombre de Twenty (blues lleno de destellos soul y jazz).

En definitiva se trata de uno de los mejores en lo suyo, aclamado por la crítica y muy respetado por todos los grandes del blues (es habitual verle en el escenario con Eric Clapton o Buddy Guy dejando muestras de lo grande que es el blues -un género que muy a pesar de mucha gente siempre tendrá cuerda para rato y un enorme hueco en el corazón de los amantes de la música- y llenando estadios en todos sus conciertos en Estados Unidos).

Discografía completa :

Who's Been Talkin' - 1980
Bad Influence - 1982
False Accusations - 1985
Showdown! - 1985 (recorded with Albert Collins and Johnny Copeland)
Strong Persuader - 1986
Don't Be Afraid of the Dark - 1988
Midnight Stroll - 1990
I Was Warned - 1992
Shame + A SIN - 1993
Some Rainy Morning - 1995
Sweet Potato Pie - 1997
Take Your Shoes Off - 1999
Shoulda Been Home - 2001
Time Will Tell - 2003
Twenty - 2005
Live From Across The Pond - 2006


The Robert Cray Band :

Robert Cray - Guitar/Singer
Kevin Hayes - Drums
Jim Pugh - Keyboards
Karl Sevareid - Bass Guitar

Para saber más:

http://www.robertcray.com/minisites/live/index.php

Los piratas (La Primera Parte)

El mejor grupo español de los 90 y 2000 se llama "Los Piratas", o "Piratas", y son de Vigo, como no se aburrieron nunca de decir en sus conciertos.

Formado por Ivan Ferreiro (Voz personalísima y ocasional sintetizador o guitarra), Hal 9000 (Batería), Paco Serén (Guitarra y Teclados), Alfonso Román (Guitarra) y Pablo Álvarez (Bajo), la base del grupo ha sido siempre la experimentación, desde el primer disco, Los Piratas, hasta Relax hay una magnífica evolución, tanto de sonidos como de letras, inaudito en un grupo español.

Dicha evolución parte de su primer disco, Los Piratas, 1992, grabado íntegramente en directo, en el que destacan las guitarras por encima de todo, y el pop-rock, más de lo segundo que de lo primero, con claras influencias del rock de finales de los 80 con reminiscencias del grunge y del punk. En él destacan canciones como Quiero Hacerte Gritar, Oh Nena y El Sombrero. En él se descubren las limitaciones de un grupo que, todavía joven, no tenía presente en lo que posteriormente se convertíría.

Después del éxito de su primer disco, se reunen en un estudio en 1993, así, con más medios y postproducción graban Quiero Hacerte Gritar, a pesar de que algunas canciones se repiten, la mayor parte de ellas son nuevas, remarcables son La Tormenta, Dentro del Mar, y por encima de todas, El Sabor de las Cosas. su estilo, aunque mantiene el estilo del primer disco remiten las gritarras estridentes, y aparecen letras más elaboradas.

Dos años de conciertos después aparece Poligamia, producido por Juan Luis Giménez (Presuntos Implicados), supone la primera gran evolución del grupo, las letras transforman de ese rock veinteañero en canciones que han representado a una generación de fieles (Promesas que no Valen Nada) en las que la expresión musical va mucho más allá de las canciones. Pasan a ser un grupo que cuenta grandes historias de si mismos, que endurece sus sonidos. Un ejercicio de madurez. Destacable resulta El Mundo de Wayne, El Tercer Pie y La Sal. En este disco se ponen las bases de lo que serán los futuros Piratas.

Como gran continuación de Poligamia aparece Manual Para los Fieles, 1997, el refinamiento de las letras, historias, se hace mucho más patente en este disco, que ofrece varios de los himnos generacionales de los 90, Mi Coco, Fecha Caducada. El título del disco hace referencia a "Los Fieles", los incansables seguidores de Los Piratas, dándoles un punto de referencia de lo que es su música. La evolución del grupo se hace patente en las letras, Te Echaré de Menos
Con Cuidado, se levanta de mi lado,
llámame mañana, sé que ya no volverás
o "M"
M nunca dudó que me quería a pesar de todo,
pero el día que se fue no le importó dejarme solo
geniales poemas que escribe Ivan Ferreiro.
Son varias las razones que hacen de este disco uno de los más singulares de la música española, se atreven a no poner título a una canción, corte nueve "-", además, Mi Matadero Clandestino forma parte de la BSO de Batman y Robin, suponiendo la primera vez que un grupo español pone música a una película de Hollywood. Merece la pena destacar El Viaje Singular del Pequeño Saltamontes, en la que hacen referencia, de nuevo, al Modo D.

Como punto seguido a esta primera parte de su discografía editan Fin (de la Primera parte), 1999, disco que incluye canciones de sus anteriores, discos, unas versionadas y otras en directo. A pesar de tratarse de un disco recopilatorio piratas no mira hacia atrás, las dos canciones inéditas que se incluyen en el album, Hoy por Ayer y Vacio serán la guía más clara que tienen los fieles de lo que será el futuro de la banda, los areglos electrónicos que se incluyen en vacío se fundirán con guitarras y voz con sencillez en sus futuros discos. My Way, de Paul Anka, es versionado en este disco, a pesar de ser un encargo para una firma comercial, se convierte en una de las mejores versiones que nunca se han hecho de dicha canción.

A partir de ahora los Piratas cambiarán su estilo definitivamente.

Página de los fieles: www.lospiratas.org

Para escuchar algo: http://www.myspace.com/lospiratasspain

Blog de Iván Ferreiro: http://www.ivanferreiro.blogspot.com/