LA SITUACIÓN DEL BLUES ACTUAL

Hay una pregunta que hace ya tiempo que me estoy haciendo, ¿qué le está pasando al blues?. En los útimos años cada vez salen menos discos de blues y de peor calidad (Clapton es ya lo único que hace bien pero aún asi está a años luz de sus mejores épocas). Ya no sé si pensar si el blues está evolucionando hacia otros caminos donde la base es la fusión, con el soul como es el caso de los discos de John Mayer o Derek Trucks Band(un matiz especialmente dotado por la voz de Mike Mattison y el buen juego de la percusión) o con el rock clásico como es caso de gente como White Stripes, John Spencer Blues Explosion (aunque a estos ya practicamente se les puede considerar veteranos), the Black Keys, Silvertide, Doyle Bramhall II, Susan Tedeschi o Joe Bonamassa (este tal vez el caso de blues puro y duro más claro de todos). Aún en el carro quedan grandes veteranos como ZZ Top, Eric Clapton, The Fabulous Thunderbirds,Robert Cray,Buddy Guy o John Mayall. Sin duda estamos en un momento adecuado para echar la vista atrás y empezar a tener en cuenta un estilo tan rico y lleno de caráter que aún puede dar mucho más de si, renovado y reinterpretado siempre desde el respeto de la base rítmica y el increible trabajo a la guitarra (puro sentimiento en cada punteo) para crear un nuevo camino. Sólo espero poder seguir descubriendo grandes discos de blues dentro de una década...

"Magic", Bruce Springsteen

Por fin está de vuelta el Springsteen más rockero, el mas Boss, con su E-Street Band... Y lo hace a lo grande con toda su vieja banda al completo (Steve Van Zandt, Patty Scialfa, Clarence Clemons, Max Weinberg, Nils Lofgren, Gary Tallent, Danny Federici y Roy Bittan) volviendo a las raíces de su mejor música (por lo menos la más ahelada), los años del Born to Run y el Darkness on the edge of the town. El albúm presenta doce pistas llenas de fuerza que se presentan como un todo bastante completo (muy dentro del sonido Springsteen pero con ciertos detalles que dejan notar la evolución de su música) con temas rockeros puros y duros como Radio nowhere o You´ll be comin down y otros más introspectivos como Magic o Terry´s song. También abundan los medios tiempos con toques folk (muy del Boss) como Long walk home o Gypsy biker. En general yo destaco tres canciones por encima de todas, Livin in the future, Devil´s arcade y Radio nowhere. En definitiva, creo que se trata de un álbum muy especial, por un lado por recuperar el espíritu de sus viejos discos y por otro por hacer un enorme trabajo que desprende calidad por los cuatro costados: las guitarras de Van Zandt y Lofgren dan tanto un sonido muy poderoso y enérgico como un tono más contenido cuando es necesario, el trabajo de Max Weinberg y Tallent al bajo hacen que el ritmo sea impecable aunque aportando los detalles necesarios para crear un sonido especial, Clemons aporta ese sonido tan especial de su saxo de manera muy puntual y adecuada, el buen hacer en el piano por parte de Bittan y Federici, la mujer de bruce Patty Scialfa está magnifica en los temas más calmados y en los coros y, como no, el boss que pone la magia (las letra vuelven a ponerte los pelos de punta por su sinceridad y ese toque que siempre tiene Springsteen).

1. "Radio Nowhere" – 3:20
2. "You'll Be Comin' Down" – 3:46
3. "Livin' in the Future" – 3:56
4. "Your Own Worst Enemy" – 4:19
5. "Gypsy Biker" – 4:32
6. "Girls in Their Summer Clothes" – 4:20
7. "I'll Work for Your Love" – 3:35
8. "Magic" – 2:46
9. "Last to Die" – 4:17
10. "Long Walk Home" – 4:35
11. "Devil's Arcade" – 5:20
12. "Terry's Song" – 4:11 (hidden track)

Para más información sobre el Boss mira en:

http://www.brucespringsteen.net/

http://www.springsteencorner.com/

Kula Shaker

Crispian Mills es el nombre del "profeta" que pone voz a esta banda inglesa nacida en los 90. Magníficas composiciones basadas en la conjunción del sonido más británico y el espíritu de la India son su marca personal e indeleble, capaces de trasladarte a lejanos lugares a través de sus impecables grabaciones de estudio y sus enérgicos directos.

En realidad, Kula Shaker comienza a gestarse en 1988, cuando Crispian Mills conoce al bajista Alonza Bevan, formando la banda Objects of Desire. Tras la disolución de la banda, Crispian viaja a la India, de donde regresa cargado de influencias que serán la base del sonido de Kula Shaker. En 1993, de nuevo junto a Alonza Bevan, forman la banda The Kays, de la que ya son integrantes Paul Winterhart y Jay Darlington, que constituirán la primera formación de Kula Shaker. Este nombre, el de Kula Shaker lo adoptarían en 1995, debido a una "revelación": debían buscar la espiritualidad (el nombre Kula Shaker hace referencia al santón indio Kulashekhara).

En ese mismo año, Kula Shaker gana el concurso In The City, gracias a lo que consiguen un contrato con Columbia Records. Pero no es hasta 1996 cuando la banda inglesa cobra cierta relevancia, con su segundo single titulado Grateful When You're Dead (tras Tattva, su primer sencillo). El reconocimiento por parte de los medios hace que una nueva grabación de Tattva alcance el número cuatro en las listas de Reino Unido. En octubre del 96, ve la luz el primer álbum de Kula Shaker, K, cosechando un gran éxito de ventas. Las características fundamentales del sonido de Kula Shaker ya están presentes aquí: guitarras explosivas y potentes riffs mezclados con las tradiciones de la India.

En 1997, publican su mayor éxito, una versión de Hush (de Joe South), conocida en todo el mundo. En ese mismo año, aparece su EP Summer sun, una colección de seis caras B, dirigida al mercado estadounidense.

El disco anunciado para 1998 tuvo que esperar hasta 1999 para ver la luz, con el título de Peasants, Pigs & Astronauts, grabado en el estudio de David Gilmour, Astoria. Pero el esperado éxito del disco no fue tal. Finalmente, Kula Shaker anunció su separación en septiembre de 1999.

Tras la disolución, cada uno siguió su camino, algunos con más éxito que otros. Crispian Mills formó la banda The Jeevas, consiguiendo cierto éxito. Pero tras cinco años sin Kula Shaker, la colaboración en un álbum para obtener fondos para una escuela californiana nos brindó su reaparición. Mills y Bevan encontraron fructífera esta reunión y decidieron volver a componer juntos y resucitar a Kula Shaker. Es en 2006 cuando Kula Shaker anuncia oficialmente su regreso de manera permanente, con la incorporación de Harry Broadbent a los teclados en sustitución de Jay Darlington (teclista en las giras de Oasis). Esta reunión nos trae un EP de cuatro canciones en 2006, The Revenge of The King, que mantiene el espíritu característico de Kula Shaker.

Ya en 2007 aparece el tan esperado tercer disco de Kula Shaker, Strangefolk. Como curiosidad, podemos añadir que el disco incluye una "bonus track" en todas sus ediciones, salvo en Japón, donde incluye tres.

El regreso de Kula Shaker es una de las mejores noticias del mundo musical de los últimos años. La banda ya ha realizado una gira por Europa, actuando en diferentes festivales; y se prevé que siga girando para presentar este último disco. En cada concierto Mills y los suyos demuestran que siguen en plena forma produciendo un auténtico placer para los sentidos y una experiencia única.

Discografía de Kula Shaker:

K (1996)
Summer Sun (EP, 1997)
Peasants, Pigs & Astronauts (1999)
Kollected (Recopilatorio, 2002)
The Revenge of the King (EP, 2006)
Tattva: The Very Best (Recopilatorio, 2007)
Strangefolk (2007)


Para más información mira en:

http://en.wikipedia.org/wiki/Kula_Shaker

http://www.kulashaker.co.uk/

http://www.myspace.com/kshaker

Peter Green

Sin duda, uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos y a su vez uno de los menos reconocidos. Siempre asociado a Fleetwood Mac y al blues inglés (junto con otros nombres como Cream, John Mayall, The Rolling Stones, The Yardbirds...) tuvo una carrera un tanto peculiar e inusual. Ésta comenzó en 1965 de la mano de John Mayall para sustituir temporalmente a Eric Clapton en los Bluesbreakers, entrando un año después en la banda de manera definitiva cuando Eric Clapton forma Cream. Durante estos años la técnica de Peter lograría una mayor solidez y profundidad. En 1967 Green, junto al batería de los Bluesbreakers, Mick Fleetwood, el guitarrista Jeremy Spencer y más adelante el bajista (también perteneciente a los Bluesbreakers) John McVie formarían Fleetwood Mac, sacando un primer y sorprendente disco, Peter Green´s Fleetwood Mac(1968). En este primer álbum ya se pueden ver la sencillez y la fuerza de un blues increíble que define la música del grupo (Shake your money maker y No place to go son los temas más destacables de este álbum). Ese mismo año publicarían un sencillo que se convertiría en su buque insignia, Black magic woman (versionada por Carlos Santana con un éxito enorme) y en 1969, tras el disco Mr.wonderful, Albatross (un tema instrumental sencillo pero con un gran poder hipnotizador). Tras este álbum, discreto a mi entender, publicarían uno de los mejores LPs de la época, Then play on (1969), lleno de increíbles temas que daban una nueva perspectiva al blues como Oh well, My dream o Coming your way. El declive del grupo comenzaba a partir de aquí; los tonteos con las drogas (el lsd en especial) que antes habían reportado imaginativas canciones comenzaban a oscurecerse (la enfermedad mental de Peter Green comenzaba ya a manifestarse de forma gradual). Aún así el grupo nos dejó grandes delicias como The Great Manalishi (una pieza oscura y absorvente que denotaba el estado mental en el que se hallaba Peter Green), Man of a world (un tema con poderosos riffs que les llevaría al número uno en las listas de Reino Unido). Sus dos últimos discos dejaron un mal sabor de boca a todos los fans y terminaron por separar los caminos de todos (Kiln house-1970- y The end of the game-1971-).
Durante varios años Peter Green iría haciendo apariciones esporádicas hasta que en 1996 reaparecería definitivamente con su nuevo grupo Splinter group (junto con Neil Murray y el famoso bateria Cozy Powell), una interesante apuesta por el blues-rock (en un mal momento para el blues) que dejaría dos buenos álbumes a los fans de Green y su música, Robert Johnson songbooks (1998) y Clown (2001).


Para más información sobre Peter Green mira en:

http://www.fleetwoodmac.net/penguin/peter.htm

http://en.wikipedia.org/wiki/Fleetwood_Mac

http://en.wikipedia.org/wiki/Peter_Green_(musician)

Robert Randolph

Carismático en el escenario, Robert Randolph es uno de los interpretes de guitarra más aclamados en la actualidad. Casi siempre sentado frente a su pedal steel guitar (es uno de los mejores en el mundo en esta especialidad) y acompañado por su Family Band (junto con su primo Marcus Randolph a la bateria y viejos amigos como Danyel Morgan al bajo) siempre da muestras de su gran talento. La Family Band se forma en 2001 sacando su primer disco un año después bajo el título Live at Wetlands, un disco en directo que recoge la tradicción soul y funky dejada por Sly and the Family Stone o grupos como the Bar-kays y Funkadelic. En 2003 publicarían su primer trabajo de estudio, Unclassified, que dejaría entrever el buen pulso que Robert y los suyos habían cogido al funky y al soul para darle una nueva visión más actual. Hasta 2006 no publican ningún trabajo y se dedicarán a largas giras a lo largo de todo Estados Unidos como Robert Randolph and the Family Band (siendo grupo de apoyo de Eric Clapton y en solitario) ganandose enorme popularidad entre los fans del blues y el funky/soul. En octubre de 2006 publicarían su tercer álbum, el Colorblind. Este último trabajo tuvo una especial acogida por la crítica y por el público (ya empiezan a tener cierto nombre dentro de Estados Unidos). Colorblind está lleno de buen funky y soul donde destaca su potente ritmo (debido al gran trabajo del bajo y batería que es capaz de revestir los viejos moldes dándoles una nueva perspectiva, aunque siempre dentro del género) y el impresionante trabajo de Robert a las cuerdas del pedal steel guitar lleno de punteos de ensueño y bien apoyados por la magnífica labor de Jason Crosby al órgano. El disco funciona muy bien como una sola pieza que le convierte en uno de los imprescindibles del género.

Hay que destacar también la interactividad con el público en los conciertos resultando de lo más divertidos llevando al límite lo que es el espíritu funky, de esta manera los conciertos se vuelven toda una experiencia que vivir (ahora esperemos verles por aquí no tardando mucho).

En definitiva se trata de un estupendo músico y de un guitarrista de enorme talento (como así lo han dicho Clapton, Buddy Guy o Jimmy Vaughan -sin tener en cuenta que está considerado uno de los 100 mejores guitarristas de la actualidad según la Rolling Stone americana).

Discografía de Robert Randolph and the Family Band:

Live at Wetlands (2002)
Unclassified (2003)
Colorblind (2006)

Para encontrar más información visita:

http://www.myspace.com/robertrandolph

http://www.robertrandolph.net/

John Mayer

A menudo se dan casos de músicos de gran talento que no explotan hasta que realmente tienen claro el camino que han de seguir y la libertad para ello. Éste es el caso de John Mayer, un guitarrista y cantante de enorme calidad que actualmente se ha consolidado como un nombre importante dentro del panorama del blues actual (un fijo del festival Crossroads de Eric Clapton y habitual colaborador en conciertos de leyendas del blues de la magnitud de Buddy Guy o Robert Cray) haciendo a su vez blues, soul y un rock muy singular con toques de funk y rythm and blues.

Virtuoso de la guitarra (cursó estudios en el Berklee College of Music en Boston) comenzó joven tocando en muchos locales del circuito de blues hasta formar la banda Lofi Masters con quien apenas estaría un par de años. En 1999 publica su primer álbum , Inside wants out , que le ayudaría a entrar tímidamente en el mercado norteamericano. Sería en 2001 cuando empiece a tomar mayor relevancia con su segundo trabajo (ciertamente mucho más elaborado y con más medios ) bajo el título Room for squares. Este trabajo le daría un Grammy (mejor canción pop por Your body is a wonderland) y varios éxitos en las listas estadounidenses. Ya con cierto nombre publica su tercer trabajo, Heavier things, que se convierte en toda una revelación consiguiendo buenas críticas (aunque aún lejos del nivel que se le presuponía) dando alguna buena muestra como la canción Daugthers (por la cual ganaría un nuevo Grammy, esta vez a la mejor canción).

Hasta este punto la carrera de John Mayer está de alguna manera estancada en lo que querían de él, dando correctos trabajos dentro de una línea musical demasiado anclada en el pop, cuando John es un gran guitarrista que estaría mucho más comodo entre el blues y el soul. En 2004 todo cambió dando un tremendo giro a su carrera musical. John empezó a estar en contacto con grandes músicos asociados al blues (Clapton, Buddy Guy, B.B.King....) y a dejar que su música creciera (cogiendo lo bueno que tenía de su etapa anterior y dándole una forma nueva llena de ritmos de blues, rythm and blues y funk) permitiéndose hacer lo que le gusta, disfrutando de la guitarra (su manera de tocar es prácticamente única y esto le convierte en uno de los mejores guitarristas que existen en la actualidad) y divirtiéndose en el escenario (se nota la química que tiene con sus músicos -ya sea con los baterías J.J.Johnson y Steve Jordan o con el bajo Pino Palladino). Todos estos cambios se dejan notar de manera clara en sus nuevos trabajos : con su nueva banda John Mayer Trio (Try-, 2005) o en solitario(Continuum, 2006).

En esta nueva etapa demuestra de lo que realmente es capaz, con dos trabajos impresionates, brillando en el primero su capacidad instrumental (aunque no exenta de buenas letras) y en el segundo su gran calidad como compositor (aunque la diferencia esta vez está en lograr una especial compenetración entre el trabajo como compositor y su virtuosismo como músico). Este cambio de rumbo le ha deparado muy buenas críticas y un Grammy al mejor álbum del año.
Pero donde realmente se puede ver el gran talento de John Mayer es en los directos, donde ha dejado muestras de su amor a la música y en especial al blues. Así lo demuestra en las actuaciones en el Crossroads festival (al lado de los mejores guitarristas del mundo como lo son Eric Clapton, Steve Vai, David Hidalgo, James Taylor, B.B.King, Buddy Guy, Joe Walsh y un largo etc.) o con su banda (donde milita a mi parecer uno de los mejores baterías de la actualidad, Steve Jordan).

En definitiva se trata de un singular músico con un increíble talento que ha tardado en explotar, pero cuando lo ha hecho ha dejado boquiabiertos a más de uno (incluído yo mismo) y que esperemos continúe dejándonos muy buenos trabajos que disfrutar.

Discografía de Joh Mayer :

Inside Wants Out, 1999
Room for Squares, 2001
Any Given Thursday, 2003 (live)
Heavier Things, 2003
As/Is 2004 (live)
Try! (como John Mayer Trio), 2005
Continuum, 2006

Si quieres más información mira en:

http://www.johnmayer.com/

http://www.myspace.com/johnmayer

http://www.johnmayertrio.com/

Derek & The Dominos

Hablar de Derek & The Dominos es hablar de la épica del rock y el blues, hablar de la historia de la música y las nuevas direcciones que ésta tomaba en los 70. La fugaz y a la par brillante historia de Derek & The Dominos comienza a gestarse en otra banda: Delaney & Bonnie & Friends. Tras su paso por Cream y Blind Faith (entre otros grupos como los míticos Yardbirds), Eric Clapton buscaba a finales de los 60 nuevos caminos. Su participación en Delaney & Bonnie & Friends fue fundamental, ya que junto al segmento instrumental de la banda formaría Derek & The Dominos en 1970. El teclista Bobby Whitlock y Eric Clapton se erigen en las cabezas pensantes del grupo, demostrando formar un equipo compacto y con calidad en la composición, bien arropados por Jim Gordon, Carl Radle y Dave Mason (todos ellos de Delaney & Bonnie & Friends).

En ese mismo año 1970, el grupo, aún sin nombre, actúa como banda de estudio para el beatle George Harrison (amigo íntimo de Clapton) en la grabación de su magnífico disco en solitario All things must pass. De esta manera arranca la andadura de Derek & The Dominos, que comienza a ofrecer conciertos como banda y, sólo unos meses más tarde, graban su primer y único álbum de estudio, Layla and other assorted love songs, donde la fórmula de la mezcla del blues y el rock queda patente. El disco es un éxito en cuanto a la crítica, pero no en cuanto a ventas. Su verdadero éxito no llega hasta 1972, con la publicación de Layla como single, sin duda la obra maestra de Derek & The Dominos. El single alcazó el número uno en las listas de ventas a ambos lados del Atlántico.

En relación con la grabación de este disco hay que añadir otro nombre de peso, Duane Allman. La participación del mayor de los Allman en Derek & The Dominos se debe al productor Tom Dowd, que estaba produciendo al mismo tiempo el album de Derek & The Dominos y el Idlewild South de los Allman Brothers. Dowd presentó a Clapton y Duane en los estudios Criteria, ya durante las sesiones de grabación y la conexión entre ambos fue inmediata. Tras una productiva "jam session" entre ambos (algunos cortes de esa sesión fueron utilizados posteriormente para el disco de Clapton Blues) la participación de Duane en Derek & The Dominos era necesaria, aportando su soberbio manejo del slide. Duane no sólo colaboró en toda la grabación de Layla and other assorted love songs, sino que también se unió a la gira de la banda por EE.UU., aunque nunca llegó a formar parte de la misma como miembro fijo.

Pero el final llegó de manera prematura. La muerte de Duane Allman en un accidente de moto en 1971, unida al mínimo éxito inicial del disco, afectó tanto a Clapton que se refugió en el consumo abusivo de heroína, llegando a abandonar la música durante varios años. Sin duda, el desencadenante de la disolución de Derek & The Dominos fue la muerte de Duane Allman, ya que el conjunto se encontraba grabando el que hubiera sido su segundo álbum de estudio cuando sucedió la tragedia. La banda terminó su camino no sin antes dejarnos un par de directos imprescindibles: Live at the Fillmore (una auténtica perla) e In Concert.

Derek & The Dominos apostó por la combinación del rock y el blues de manera magistral, tanto con composiciones propias como versiones clásicas de canciones de Freddie King o de Jimi Hendrix entre otros. El trabajo en conjunto de un Eric Clapton en su mejor momento tras el final de Cream y Duane Allman al slide nos dio una de las joyas de los 70.

Discografía:

Layla and other assorted love songs (1970)
In Concert (1973 -grabado en 1970-)
Live at the Fillmore (1974 -grabado en 1970-)

Si buscas más información pásate por:

http://www.ectours.de/cgi-bin/frame.pl?file=ec1970.shtml

http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&uid=7:53:19|PM&sql=Bki0qoaeabijp

Sidonie

La historia de Sidonie es la de muchos otros grupos del universo maquetero, tres amigos, Axel (Bateria), Marc (Voces y guitarra) y Jesús (Voces y bajo), empiezan a tocar versiones de sus canciones favoritas, hasta que deciden grabar una maqueta, Sidonie, que vendrá seguida de muchos otros colores, Blanca, Roja y Verde serán los títulos de las siguientes, se está gestando el grupo.

Su gran oportunidad viene de la mano del primer concurso de música Joven de Baix de Llobregat, en el que se proclaman vencedores, posteriormente vendrá la grabación de su primer ep, Dragonfly (Bip Bip Records, 2000), trabajo que se encargan de presentar en directo, ataviados con trajes de La Pantera Rosa, el Señor Tomate y Gerald el Topo incluyen parte del surrealismo de sus canciones en la experiencia del directo. En 2001 debutan en el FIB.

Su primer disco, Sidonie (Bip Bip Records, 2001) ya da todo de si en canciones, siempre en inglés, que, en muchas ocasiones sirven como banda sonora para distintas campañas publicitarias. En este disco debut destacan principalmente Feelin`Down 01, campaña de Fnac y Venusian Dreams, en la que destaca las influencias orientales del grupo.

Para su segundo disco consiguen un contrato con una multinacional, Sony, Shell Kids (Sony, 2003) un disco bastante más completo que el primero, pero cuya aceptación es menor por el público, no tanto por la crítica que encumbra al grupo como uno de los mejores del nuevo siglo dentro de la música pop española, la genial On The Sofa abre el disco, marcando el estilo que seguiran las siguientes, Bla Bla Bla o Standing Together. La influencia del pop británico se hace la dueña de este disco, recordando, en demasiadas ocasiones, a los beatles, Moments.

Su tercer disco es Fascinado (Sony, 2005), en el que cambian el idioma del grupo al español, el plato fuerte de Sidonie son las melodías, los sonidos pop y la electrónica, con lo que consiguen que la transición al nuevo idioma en el que componer sea una evolución positiva en su música, lo psicodélico sigue estando al alza en este nuevo disco, que se inicia con la canción Fascinado, las canciones en español mantienen una sencillez que contrasta con la psicodelia de las melodías. Dentro del disco tambien son recomendables Jardin Polar y Dos murciélagos.

Hace menos de un mes han publicado su último disco, Costa Azul (Sony, 2007) en el que, según ellos mismos, se esfuerzan por hacer más fuerte la melodía de sus canciones, incluyen mucho más rock, nuevos instrumentos, y por encima de todo, un buen trabajo en los arreglos, las canciones están inspiradas en la literatura de Scott Fitzgerald.

El único representante español de un estilo de música diferente, podríamos llamarlo pop psicodélico, con muchas influencias de la música británica, con toques de música india, en un gran directo es cuando más desarrolla su potencial, haciendo al público parte de su espectáculo de cascos de astronauta y otros disfraces.

Su último disco y más información en:

http://www.sidonie.net/

http://blogs.supernovapop.com/sidonie/index.aspx

http://www.myspace.com/sidoniespace

Marc Ford, whisky y rock and roll

Marc Ford es un buen ejemplo de guitarrista elegante y con amplitud de registros. Para hablar de sus comienzos en esto de la música tenemos que remontarnos a finales de los 80, momento en el que formó el trío Burning Tree. A pesar del mínimo éxito de la banda, consiguieron telonear a otros grupos más relevantes como The Black Crowes. Gracias a esto, Ford comenzó a colaborar con The Black Crowes en diferentes eventos. Finalmente, entraría a formar parte de la banda en 1992. El periplo de Ford en los Black Crowes duraría cinco exitosos años, hasta 1997; de esta manera, su participación fue directa y esencial en los discos de mayor éxito de la banda de Atlanta, como The Southern Harmony and Musical Companion. Aparte de una técnica envidiable en el uso de las seis cuerdas, Ford introdujo en los Black Crowes un sonido sureño y sucio que aportaría carácter al conjunto.

La salida forzada de Ford de los Black Crowes en 1997 parece ser que tuvo como causa principal sus problemas con las drogas. Tras su salida de The Black Crowes, Ford ha colaborado con bandas del movimiento "jam" más actual de E.E.U.U., como Gov't Mule (banda con la que se ha comparado mucho su estilo en solitario). Durante los últimos años ha participado con Ben Harper, echándole una mano en diferentes conciertos, apareciendo con él en algunos espacios televisivos de E.E.U.U. y colaborando en la grabación del último disco de Harper, Both sides of the gun.

La carrera de Marc Ford en solitario se remonta a su expulsión de los Black Crowes, lo que le llevó a sacar su primer disco en solitario con el título de It's about time en 2003. Tras ese disco, y sin una banda que arropase sus composiciones, no ha vuelto a presentarnos un nuevo trabajo hasta este mismo año 2007, con la edición de su Weary and wired. En este disco cuenta con la ayuda de sus antiguos compañeros de Burning Tree. Actualmente, gira con su propio nombre, Marc Ford, o con el de Burning Tree indistintamente.

En las composiciones de Ford podemos encontrar un amplio abanico de sonidos y texturas, desde el hard rock hasta el folk, sin dejar nunca de lado el blues y los sonidos sureños, efectivamente, muy en relación con Gov't Mule, aunque con más pegada. A pesar de que él mismo dice que no le gusta "escuchar solos de guitarra ni tocarlos" y de que hay quien afirma que estamos ante un "anti-guitar hero" al estilo de Neil Young, sus discos estan repletos de sólidas guitarras y brillantes solos en su justa medida, mostrando una gran técnica.

Discografía en solitario:

It's about time (2003)
Weary and wired (2007)

Si te interesa Marc Ford aquí están su web y su myspace:

http://www.marcford.net

http://myspace.com/marcfordmusic

The last waltz, The Band

1976, Robertson y los suyos decidían poner punto y final a uno de los mejores grupos de los 60/70 tras una década juntos (ya sea como grupo de acompañamiento de Ronnie Hawkins y de Bob Dylan o como The Band), y lo hicieron a lo grande, con un espectacular directo acompañado de grandes músicos y amigos.

Este magnífico concierto fue bautizado con el nombre de the last waltz y congregó a nombres como Eric Clapton, Bob Dylan, Van Morrison o Neil Young, entre otros. Sin duda uno de los mejores directos de la historia (carismático y lleno de momentos memorables que han pasado a la historia del rock and roll).

Era un 25 de noviembre, acción de gracias. Sonaban los primeros acordes cuando el Winterland (San Francisco) rugía para dar la bienvenida al grupo (Robertson, Danko, Manuel, Hudson y Helms). El primer invitado en aparecer fue Ronnie Hawkins para tocar la mítica pieza Who do you love de manera incendiaria. El calor siguió subiendo después cuando Dr.John (el brujo de New Orleans) a su mágico piano tocó el blues Such a thing. Entonces llegaba el legendario tema de la banda, The weight, que hizo lenvantar hasta la última alma del público. Tras las colaboraciones de Bobby Charles y Paul Butterfield pisaba el escenario una de las mayores leyendas del blues, Muddy Waters, para dejar algunos de los mejores momentos del día con Caledonia y Mannish boy. Momentos después pasarían por el escenario Clapton, Joni Mitchell y Neil Young tocando temas tan especiales como Helpless (Neil Young), Fourther up the road (Clapton) o Furry sings the blues ( joni Mitchell) poniendo el listón tan alto que ya parecia una noche insuperable... Pero nada más lejos de la realidad, puesto que los mejores momentos aún estarían por llegar. Después de unos temas con Neil Diamond y Van Morrison (que dejó una increíble y magistral versión de su Caravan) el público estalló en ovaciones cuando tocaron The night they drove old dixie down y sobre todo cuando Bob Dylan salió a tocar una vez más con sus chicos. Junto con Dylan dejaron los momentos más melancólicos de la noche con dos de los mejores temas de la velada, Forever young y I shall be realesed. Así el conciero llegaba a su fín a la vez que the band se despedía entre lágrimas en una noche inolvidable para todos los presentes.

Si quieres saber algo más de The Band pásate por:

http://theband.hiof.no/

Wolfmother, ecos de los 70

Siempre llega buena música desde las antípodas, y el caso de Wolfmother no podía ser distinto. Ya era hora de que apareciese alguien así... Tardé en descubrirlos, pero por suerte siempre está ahí la red de redes que, a veces, te brinda la oportunidad de encontrar pequeños tesoros. Esta joven banda procedente de Sydney se merece un hueco en los corazoncitos rockeros. ¿Por qué? Por varias razones; pero la principal es su enérgico sonido que inevitablemente nos recuerda a los grandes de los setenta, a Black Sabbath, a Led Zeppelin, con poderosos riffs de guitarra, una enorme presencia del bajo que inunda todo, una voz con innumerables registros, el intento por resucitar los solos de guitarra de una manera moderada, una construcción de melodías impecable y, sobre todo, actitud. Todo eso es lo que ha llevado al "power trio" australiano a triunfar en todo el globo con su único disco por el momento, el homónimo a la banda Wolfmother (2005). Todo eso y la capacidad de mirar hacia el pasado para construir algo novedoso y actual.

En realidad el éxito ya llegó en 2004, cuando su EP, de idéntico nombre (Wolfmother) consiguió vender más de 10 000 copias. Y es que Andre Stockdale (voz y guitarra), Chris Ross (bajo y teclados) y Myles Heskett (batería) han conseguido crear al instante clásicos modernos como su hit Woman, incluído en este primer álbum y ya reconocible por todos, entre otras cosas por aparecer en un spot publicitario de una conocida marca de videojuegos.

Lo bueno de Wolfmother es la variedad. Sí, digo variedad, porque aunque a primera vista parece que la banda cae en la monotonía no es cierto. A lo largo del disco se pueden escuchar muy diferentes texturas y estilos. Vagabond presenta un comienzo totalmente folk, una guitarra acústica y un bombo, y en seguida una guitarra eléctrica para cambiar la canción por completo. Nada que ver con Withcraft, que comienza con un riff totalmente setentero y pegadizo. Joker & The Thief, por su parte, se inicia vertiginosa con los teclados que se funden con la guitarra en un magnífico deleite para el oído. No hay más que decir, sólo ver y escuchar...

Para conocer novedades sobre Wolfmother:

http://www.wolfmother.com/

Y si los quieres escuchar:

http://www.myspace.com/wolfmother

Pauline en la playa

Pauline en la playa surge de Undershakers, el mejor representante del Xixón Sound de los 90, como un complemento del mismo, las hermanas Alicia y Mar Álvarez deciden que tienen que dar salida canciones propias, y las dos bandas conviven en paralelo una temporada hasta la disolución de Undershakers.

El nombre del grupo proviene de la película homónima del francés Eric Rohmer.

El pop melódico que realizan se desmarca rápidamente de lo que fue su primera banda, dejando claro que el estilo es otro, las letras de lo cotidiano, cantadas en español y los sonidos cercanos al jazz.

Su primer disco partió de Subterfuge, la discográfica también de Undershakers, y se trata de un mini de seis cortes, Nada Como el Hogar, 1999, fieles testigos de en qué se convertiría el grupo posteriormente, letras sencillas, llegando incluso a lo infantil. Música con una personalidad propia basada en los sonidos acústicos. En este primer anticipo destaca Titubeas.

El segundo disco de Pauline en la Playa es Tormenta de Ranas, 2001, cierta evolución en los sonidos, incluyendo nuevos instrumentos y manteniendo la estructura, unas letras sencillas:

Es tan bonito y nada especial,
algo insignificante.
Es anodino y habitual.
Es sólo ese café,de las diez,
que algunos llaman el tentempié.

(Insignificancia en si menor)

y un poso de pop melódico. La canción más popular del disco es rueda corazón, también incluyen un corte grabado en directo, se trata del último corte del disco, Es Natural.

Dos años después publican Termitas y Otras Cosas, 2003, el disco es mucho más completo que los dos anteriores, su sonido ha evolucionado hacia un lado semi-oscuro, los sonidos varían, ya no se trata de una banda de quinceañeros, a pesar de que las letras siguen siendo sencillas hablando de lo diferente que existe en lo habitual, éxitos como Pasos de Ratón, comparten con introspecciónes como Rumbo Norte.

Su último disco es Silabario, 2006, en el que prosiguen con su línea de instrumentación minimalista, dibujando nuevos escenarios de la vida habitual, no han perdido la sencillez de sus letras, la candidez de sus canciones.

Pauline en la Playa se trata de un grupo, instalado en el pop melódico, que muestra cómo se pueden hacer grandes canciones de pequeños susurros.

Más info:

http://www.paulineenlaplaya.com/

http://www.myspace.com/paulineenlaplaya

http://www.fotolog.com/silabario/

Los piratas (La segunda parte)

Lo que se había iniciado con determinadas canciones ya no pudo detenerse. La renovación estaba en camino, pasan a denominarse Piratas, su música ha mutado, las nuevas canciones se basan en la electrónica y la complejidad en las letras. En un principio Warner se negó a editar su nuevo disco, era demasiado oscuro y electrónico, al final, bajo la exigencia de que contuviera alguna canción más comercial se editó ultrasónica, 2001. El gran éxito del disco, la condición de Warner es Años 80.

Pero el disco está repleto de magníficas canciones, de la profundidad de unas letras que expresan sin tener que decir nada:
Confía en mí
nunca has soñado
poder gritar
y te enfureces
es horrible el miedo incontenible
de una base electrónica que completa la oscuridad de todas sus canciones. El disco actúa como un todo, sin poder separar una canción de las demás.

Con la reedición del disco aparece Sesiones Perdidas, una Jam Sessión que Piratas se permite hacer, inéditos, versiones, remezclas y canciones en directo forman parte de él, forman parte de un todo estudiado dirigido a los fieles, para disfrute propio y ajeno de la versatilidad y espontaneidad del grupo, destacables son si tu, Laura, Días Extraños...

Tras el éxito de Ultrasónica graban su último disco, Relax, donde se hace mucho más patente toda la mutación de su música, definitivamente más electrónica, y letras más oscuras, la clarividencia en los mensajes de Relax se pierde, ahora ya no se habla(canta) tan claro. El encargado de la nueva desviación del sonido es Suso Saiz. Canciones como Inerte, Reiniciar o Audrey suponen verdaderos himnos de su nueva música.

Como previendo lo que posteriormente iba a pasar Piratas edita tres singles al hilo de la edición de Relax, son Inerte, Dinero y Respuestas, parece que quisieran hacer cuatro discos con el nuevo estilo, perpetuarlo en los oidos de los fieles y no fieles.

El último momento estelar de piratas se vivió en la madrileña sala La Riviera, que siempre fue mítica para el grupo, en la que ofrecen, a todos los fieles su último concierto(cosa no del todo cierta, ya que posteriormente tocaron en la sala Galileo), pero sí fue su despedida, en él ocurrieron cosas que nunca se olvidarán, las colaboraciones de Suso Saiz a la guitarra, Amaral, Bunbury, y el Drogas estan marcadas a fuego entre los que asistimos al concierto.

El homenaje a los fieles por parte de piratas aparece en la recuperación de tal concierto como disco, titulado "Fin(de la Segunda Parte)", 2004, que incluye un DVD con el concierto al completo.

En definitiva, uno de los grupos más completos de los últimos años en España, que ha sabido amoldar sus canciones al tiempo, y a la distancia, como dice Ivan Ferreiro.

Página de los fieles: www.lospiratas.org

Para escuchar algo: http://www.myspace.com/lospiratasspain

Blog de Iván Ferreiro: http://www.ivanferreiro.blogspot.com/

Robert cray

Sobre todo un buen guitarrista y un cantante con enorme talento. Su blues con ciertos toques del mejor soul hacen de su música una experiencia única y muy especial dentro del género.

Robert Cray (1953, Columbus, Georgia) empezó a volcarse de lleno en el blues en 1969 cuando tras un concierto del mítico bluesman Albert ''Iceman'' Collins decidió convertirse en un verdadero virtuoso de la guitarra (aprendió el estilo, nota por nota, de éste para hacerlo suyo llevándolo a su terreno). En 1971 fundó la Robert Cray Band y fue grupo de acompañamiento de Collins y otros bluesman (B.B.King sería uno de ellos). Así fue haciéndose un nombre dentro del circuito de blues estadounidense poco a poco, hasta ser considerado como unos de los mejores bluesman (muchos de sus detractores no le consideran un bluesman puro por sus eclécticas influencias siendo el soul la más notable).

En 1981 publicaría su primer álbum con su banda llamado Who's been talkin' (no tuvo una gran repercusión debido a que la compañía que lo publicó quebraría al poco de estar en el mercado). Aún así este disco sería aclamado por otros grandes del género como Muddy Waters o John Lee Hooker. Su siguiente trabajo, Bad influence (1983), realizaría un trabajo mucho más maduro y uno de los mejores de su carrera. Para su tercer trabajo se reuniría con Albert Collins y Johny Copeland que llevaría por título Showdown (1985) con el que sería recompensado con un Grammy y vendería un millón de copias siendo la grabación de blues más vendida de los últimos veinte años. En este disco ya se podía notar de una forma muy consistente un sonido cercano al soul de la Stax (gracias en gran parte al trabajo de la sección de metales The Memphis Horn). Strong persuader (1986) fue un trabajo épico que convirtió a Robert Cray en el artista de blues de mayor éxito comercial de la década. Continuaría haciendo grandes discos con su banda aunque ninguno de la repercusión de los anteriores hasta grabar en 1999 Take your shoes off que le devolvería a las listas de éxitos (disco de enorme calidad donde el predominio de soul le da un sabor realmente especial, uno de mis favoritos, sin duda). Su último disco data de 2005 (sin contar un directo de reciente factura) con el nombre de Twenty (blues lleno de destellos soul y jazz).

En definitiva se trata de uno de los mejores en lo suyo, aclamado por la crítica y muy respetado por todos los grandes del blues (es habitual verle en el escenario con Eric Clapton o Buddy Guy dejando muestras de lo grande que es el blues -un género que muy a pesar de mucha gente siempre tendrá cuerda para rato y un enorme hueco en el corazón de los amantes de la música- y llenando estadios en todos sus conciertos en Estados Unidos).

Discografía completa :

Who's Been Talkin' - 1980
Bad Influence - 1982
False Accusations - 1985
Showdown! - 1985 (recorded with Albert Collins and Johnny Copeland)
Strong Persuader - 1986
Don't Be Afraid of the Dark - 1988
Midnight Stroll - 1990
I Was Warned - 1992
Shame + A SIN - 1993
Some Rainy Morning - 1995
Sweet Potato Pie - 1997
Take Your Shoes Off - 1999
Shoulda Been Home - 2001
Time Will Tell - 2003
Twenty - 2005
Live From Across The Pond - 2006


The Robert Cray Band :

Robert Cray - Guitar/Singer
Kevin Hayes - Drums
Jim Pugh - Keyboards
Karl Sevareid - Bass Guitar

Para saber más:

http://www.robertcray.com/minisites/live/index.php

Los piratas (La Primera Parte)

El mejor grupo español de los 90 y 2000 se llama "Los Piratas", o "Piratas", y son de Vigo, como no se aburrieron nunca de decir en sus conciertos.

Formado por Ivan Ferreiro (Voz personalísima y ocasional sintetizador o guitarra), Hal 9000 (Batería), Paco Serén (Guitarra y Teclados), Alfonso Román (Guitarra) y Pablo Álvarez (Bajo), la base del grupo ha sido siempre la experimentación, desde el primer disco, Los Piratas, hasta Relax hay una magnífica evolución, tanto de sonidos como de letras, inaudito en un grupo español.

Dicha evolución parte de su primer disco, Los Piratas, 1992, grabado íntegramente en directo, en el que destacan las guitarras por encima de todo, y el pop-rock, más de lo segundo que de lo primero, con claras influencias del rock de finales de los 80 con reminiscencias del grunge y del punk. En él destacan canciones como Quiero Hacerte Gritar, Oh Nena y El Sombrero. En él se descubren las limitaciones de un grupo que, todavía joven, no tenía presente en lo que posteriormente se convertíría.

Después del éxito de su primer disco, se reunen en un estudio en 1993, así, con más medios y postproducción graban Quiero Hacerte Gritar, a pesar de que algunas canciones se repiten, la mayor parte de ellas son nuevas, remarcables son La Tormenta, Dentro del Mar, y por encima de todas, El Sabor de las Cosas. su estilo, aunque mantiene el estilo del primer disco remiten las gritarras estridentes, y aparecen letras más elaboradas.

Dos años de conciertos después aparece Poligamia, producido por Juan Luis Giménez (Presuntos Implicados), supone la primera gran evolución del grupo, las letras transforman de ese rock veinteañero en canciones que han representado a una generación de fieles (Promesas que no Valen Nada) en las que la expresión musical va mucho más allá de las canciones. Pasan a ser un grupo que cuenta grandes historias de si mismos, que endurece sus sonidos. Un ejercicio de madurez. Destacable resulta El Mundo de Wayne, El Tercer Pie y La Sal. En este disco se ponen las bases de lo que serán los futuros Piratas.

Como gran continuación de Poligamia aparece Manual Para los Fieles, 1997, el refinamiento de las letras, historias, se hace mucho más patente en este disco, que ofrece varios de los himnos generacionales de los 90, Mi Coco, Fecha Caducada. El título del disco hace referencia a "Los Fieles", los incansables seguidores de Los Piratas, dándoles un punto de referencia de lo que es su música. La evolución del grupo se hace patente en las letras, Te Echaré de Menos
Con Cuidado, se levanta de mi lado,
llámame mañana, sé que ya no volverás
o "M"
M nunca dudó que me quería a pesar de todo,
pero el día que se fue no le importó dejarme solo
geniales poemas que escribe Ivan Ferreiro.
Son varias las razones que hacen de este disco uno de los más singulares de la música española, se atreven a no poner título a una canción, corte nueve "-", además, Mi Matadero Clandestino forma parte de la BSO de Batman y Robin, suponiendo la primera vez que un grupo español pone música a una película de Hollywood. Merece la pena destacar El Viaje Singular del Pequeño Saltamontes, en la que hacen referencia, de nuevo, al Modo D.

Como punto seguido a esta primera parte de su discografía editan Fin (de la Primera parte), 1999, disco que incluye canciones de sus anteriores, discos, unas versionadas y otras en directo. A pesar de tratarse de un disco recopilatorio piratas no mira hacia atrás, las dos canciones inéditas que se incluyen en el album, Hoy por Ayer y Vacio serán la guía más clara que tienen los fieles de lo que será el futuro de la banda, los areglos electrónicos que se incluyen en vacío se fundirán con guitarras y voz con sencillez en sus futuros discos. My Way, de Paul Anka, es versionado en este disco, a pesar de ser un encargo para una firma comercial, se convierte en una de las mejores versiones que nunca se han hecho de dicha canción.

A partir de ahora los Piratas cambiarán su estilo definitivamente.

Página de los fieles: www.lospiratas.org

Para escuchar algo: http://www.myspace.com/lospiratasspain

Blog de Iván Ferreiro: http://www.ivanferreiro.blogspot.com/

Steve Cropper, "The Colonel"

Steve Cropper es un sólido y singular guitarrista cuyo nombre está asociado de manera inevitable al sonido de la Stax (discográfica nacida en Memphis que potenciaba el sonido rhythm and blues y el soul -junto con la Motown en Detroit, por supuesto- donde trabajaron grandes del género como Wilson Pickett u Otis Redding). Comenzó a darse a conocer a principios de los 60 de la mano de los Royal Spades (grupo formado en el instituto en Memphis, cuna del sonido Stax) que en 1961 con el nombre de los Mar-Keys conseguirían de manera asombrosa un tercer puesto en las listas de éxitos siendo uno de los singles de rhythm and blues más vendido del año (last night era el nombre de este sencillo) y un nombre dentro del circuito de músicos de Memphis de la época. Tras este insospechado éxito Steve dejaría el grupo para trabajar como músico de estudio y técnico para la Stax (anteriormente conocida como la Memphis's Satellites).

A finales de 1962 Steve conoció al organista Booker T. Jones, así junto con un grupo de músicos de estudio conocidos como Memphis Group formarían los míticos Booker T and the MG'S. Un día en el estudio jugando e improvisando darían de manera involuntaria con uno de los mayores hits de la historia del rhythm and blues, un instrumental pegadizo denominado más adelante como Green onions.

Como Booker T and the MG'S grabarían unos cuantos trabajos más entre 1962 y 1977 destacando de estos un directo llamado back to back (uno de los directos mas vendidos de la Stax) y Hip hug her(1967).

También hay que destacar la importante labor en solitario de Steve como músico de estudio de la Stax grabando la guitarra de grandes clásicos del soul como (Sittin' on) the dock of the bay de Otis Redding, In the midnight hour de Wilson Pickett, Knock on wood de Eddie Floyd entre otros. Resultan a su vez igual de imprescindibles sus directos con la Blues Brothers Band (1970 -junto con sus viejos compañeros Matt guitar Murphy y Donald duck Dunn) donde se puede observar como disfrutan en el escenario haciendo únicamente lo que les gusta, lleno de improvisaciones y detalles de gran calidad.

Sin duda alguna el especial sonido de la Stax y el soul clásico le deben muchisimo a este gran guitarrista.

No olvidarnos de la aparición en la película The blues brothers protagonizada por Dan Aykroid y John Belushi, donde se hace un gran homenaje al blues y al rhythm and blues.

Discografía de Booker T and the MG'S :

Green Onions(1962)
Soul Dressing (1965)
And Now! (1966)
In the Christmas Spirit (1966)
Hip Hug Her(1967)
Back To Back (1967) [Live]
Doin' Our Thing (1968)
Soul Limbo (1968)
Uptight (1969) [Original Soundtrack]
The Booker T. Set (1969)
McLemore Avenue (1970)
Melting Pot (1971)
Universal Language (1977)
That's the Way It Should Be (1994)

Si quieres saber más pásate por:

http://www.playitsteve.com/home.html

The dirty south & A blessing and a curse

En agosto de 2004 Drive-by Truckers publicó su sexto disco, con el título de The dirty south. Este trabajo sería ya la confirmación de la banda como un grupo de renombre dentro y fuera de su país, consiguiendo cierta relevancia en el panorama intercional (apoyada con giras a lo largo de toda Europa). Hay que mencionar una nueva baja más en la formación del grupo, el bajista Earl Hicks (después de varios años con la banda) abandona los Drive y entra en su lugar una vieja amiga de Jason, Shona Tucker. De esta manera comienzan la grabación del disco que les llevará cerca de un par de meses.

En este nuevo trabajo el sonido sigue siendo igual de contundente con algunos medios tiempos e incluso se puede encontrar una vieja canción acústica country de Mike Cooley, pero hay más de la raíz folk de donde vienen siendo el disco un dibujo de toda la mitología del sur de Estados Unidos (mas en concreto un paisaje duro y directo de la Alabama más sureña). Hay canciones de diversa temática como The sands of Iwo- jima (donde da una visión de la famosa batalla que tuvo lugar en la segunda guerra mundial a través de los ojos de la gente que la vivió y sintió directamente), el poema de Mike y Ed Cooley Where the devil don't stay (una historia de la infancia cruda y oscura centrada en la familia) o Carl Perkins ' cadillac (donde relata los comienzos de Carl Perkins entre historias acerca de la honestidad y otras curiosidades sobre Memphis como cuna del rock and roll). En definitiva se trata de un trabajo muy interesante en muchos aspectos (como prácticamente toda la obra de los Drive-By Truckers).

Después de una agotadora gira por Estados Unidos y Europa el grupo se toma un pequeño descanso y enseguida se pone a trabajar en su siguiente disco, proceso que documentarían a través de una grabación extra que se puede encontrar en internet, dando como resultado un buen disco aunque bastante incomprendido, A blessing and a curse (abril de 2006).

Este último trabajo es mucho mas introspectivo que los anteriores lleno de ritmos lentos y medios tiempos que son llevados hacia su terreno (tal vez sea el disco menos localista que han hecho hasta la fecha) tratando temas diversos siempre desde el enfoque muy personal de Patterson, Jason y Mike. Destaco los temas Easy on yourself, Space city, Afftermath y Little bonnie como los más interesantes del disco desde la óptica musical y el valor de las letras. En este disco también trabaja John Neff a la steel guitar (quién ya había colaborado con el grupo en los directos) que sustituiría a Jason Isbell a su marcha.

Comentar también que Patterson Hood y Jason Isbell tienen sendos discos en solitario de reciente facturación.

Más información en su web:

http://www.drivebytruckers.com/

Para escucharlos un poco:

http://www.myspace.com/drivebytruckers

Nosoträsh

Uno de los últimos coletazos que dio de sí el denominado Xixón Sound de los noventa fue el grupo íntegramente femenino Nosoträsh. Se dieron a conocer tras ganar el concurso de maquetas de Rock de Lux en el año 1995. En dicha maqueta ya se incluía el que sería su primer éxito, "Voy a Aterrizar".

Su primer disco, "Nadie hablará de..." sale en 1998 al abrigo de una internacional, RCA, El programa de radio Viaje a Los Sueños Polares lo elige como el mejor disco del año y Rock De Lux lo mete entre los mejores discos de la década, en él se incluyen canciones como "Mis Muñecas" o "Voy a Aterrizar". Sientan las bases de un sonido peculiar y pegadizo, el pop que compartirán con grupos como "Los Fresones Rebeldes" o "La Buena Vida", letras fáciles, ritmos sencillos y estribillos pegadizos , todo ello en español.

Posteriormente fichan por el sello Elephant Records (Family, Cooper...) que las elige como abanderadas de la discográfica. Ya con más libertad creativa sale al mercado "Mi Vida en un Fin de Semana" en el 2000, producido por el británico Ian Catt (St Ettiene)

Su mejor disco hasta el momento es "Popemas", 2002, un compendio de 20 pop-poemas musicales, tan sencillos como atractivos, canciones nunca más largas de tres minutos que sólo hablan para contar las historias más sencillas. El duro pop minimalista se ve influenciado, sin duda alguna, por su nuevo produtor, Ibon Errazkin, de Le Mans. Con este disco Nosoträsh da un paso de calidad sobre el pop fácil de sus dos primeros discos, introduciendo nuevas propuestas en un mercado saturado por grupos indie.

Ahora sacan su último disco, "Cierra la Puerta al Salir", si bien "Popemas" es un homenaje a la figura materna el nuevo disco se dedica a los nuevos planes, a quien tenga algo que cambiar en su vida. Como siguiendo un plan previamente trazado también cambia la sencillez de las canciones hacia los arreglos más sofisticados.

A pesar del paso del tiempo el grupo ha sabido amoldarse al cambio, de formación, de siglo, de sonido, pero sin perder la personalidad de ese primer "Voy a aterrizar" manteniendo un sonido peculiar difícil de igualar.

Para más info, escuchar canciones y demás...

http://www.elefant.com/grupos/nosotrash

Drive-by Truckers (Jason Isbell entra en el grupo)

Tras el inesperado éxito del Southern Rock Opera (teniendo una acogida espectacular por parte de la crítica y del público hasta el punto de ser reeditado a causa de la demanda que había) el grupo comenzó a ser considerado como uno de los mejores del rock americano (diversos premios en revistas y largas giras en las que la asistencia de público es un éxito asi lo demuestran). Cuando todo parecía ir sobre ruedas un nuevo problema se presenta, Rob Malone (tercer guitarrista -a los Drive siempre les ha gustado tener tres guitarras en homenaje a los Lynyrd Skynyrd-) deja el grupo. Así es como Jason Isbell llega a los Drive-by Truckers en sustitución de éste. El buen trabajo de Jason en las guitarras, en la parte vocal y en especial en las letras hace que la marcha de Malone no repercuta de ninguna manera en el sonido del grupo, pudiendo decirse que su aportación les da una solidez y una frescura mayor.

Casi a la vez que la entrada de Jason, el grupo logra un contrato con la New West Records (la misma dicográfica de gente como Steve Earle, Rickie Lee Jones o el legendario Kris Kristofferson) que supondría una mayor repercusión a todos los niveles. De este modo enseguida se pusieron manos a la obra con su siguiente disco, Decoration day. El resultado sería uno de los mejores discos del rock actual, lleno de cuidados detalles en todos los aspectos (un espectacular trabajo lleno de poderosas guitarras, ritmos muy trabajados y letras incisivas que dotan al disco de una textura nueva con una sólida raíz musical sureña). La recepción del disco por parte de la crítica fue increíble, llegando ser calificado como un disco imprescincible para los amantes del buen rock.

Más información en su web:

http://www.drivebytruckers.com/

Para escucharlos un poco:

http://www.myspace.com/drivebytruckers

Wish you were here, el disco de Pink Floyd

Wish you were here, así se titula el noveno disco de Pink Floyd. Este LP, grabado y publicado en 1975, se divide en cinco pistas:



Shine on you crazy diamond (parts I - V) (13:40 min.)
Welcome to the machine (7:31 min.)
Have a cigar (5:08 min.)
Wish you were here (5:34 min.)
Shine on you crazy diamond (parts VI - IX) (12:31 min.)




Como sucede en cada obra de Pink FLoyd, es el elevado talento artístico, la belleza y la evocación de sentimientos lo que sobresale por encima del virtuosismo en la ejecución, que también está ahí, a un alto nivel.

En su concepto general, el disco se erige en un homenaje a Syd Barret, por entonces era ya ex-miembro de Pink FLoyd, debido a sus problemas mentales derivados o acentuados por el abuso de las drogas. Durante las sesiones de grabación de Wish you were here, Barret apareció en el estudio dispuesto a grabar su parte, después de que nadie supiese de él durante años. El aspecto físico de Syd era tan diferente y lamentable que nadie lo reconoció en un primer momento.

Son tres pistas las que giran entorno a la figura de Syd Barret. Por un lado, Shine on you crazy diamond (creada en conjunto por Waters, Gilmour y Wright), una "oda" dividida en nueve partes o movimientos y que está "cortada" en dos pistas que abren y cierran, respectivamente el LP de manera brillante. Su letra, en un primer momento enigmática, deja clara la referencia a Syd: "Come on you raver, you seer of visions, come on you painter, you piper, You prisoner, and shine!". Ambas pistas presentan efectismo y sintetizadores, pero su base es la enorme presencia de Gilmour, constante y que se desborda en la segunda pista con su exhibición de slide. En el último recopilatorio de Pink Floyd, Echoes, aparecen mezcladas ambas pistas, con un recorte en el solo de slide que se puede calificar de lamentable.

La otra pista que rinde tributo a Barret es la que da nombre al disco, Wish you were here. Sin duda se trata de una de las canciones más populares de la banda británica. Podemos hablar de obra maestra sin miedo cuando nos referimos a ella. Hablamos de una canción acústica y sencilla al máximo, algo no muy común en Pink Floyd, cuyo inicio en el que Gilmour hace un dueto de guitarra consigo mismo (la segunda guitarra está grabada previamente por él y suena a través de una radio) es magistral a la par que sencillo. Escrita por Roger Waters y David Gilmour, presenta una de las letras más sublimes y evocadoras que se puedan encontrar: "We´re just two lost souls swimming in a fish bowl year after year". Se la ha considerado siempre una enorme canción de amor, pese a que no habla de romance, sino de Syd. Se refiere al amor derivado de la amistad. Aunque lo grande de estas canciones es poder interpretarlas como uno quiera.

Las otras dos pistas (compuestas por Waters en solitario), Welcome to the machine y Have a cigar son mucho más oscuras y ásperas que el resto del álbum. En ambas se demuestra, más que en las otras, la capacidad de Pink Floyd para integrar el propio estudio de grabación como un instrumento más en la banda, algo característico en la banda. La temática cambia ahora y hacen referencia a la industria (Welcome to the machine) y al éxito cosechado por el grupo, sobre todo después de Dark Side of the Moon (1973), quizá el album más emblemático de Pink Floyd.

La magia del Wish you were here es que escuchando las pistas por separado, cada una tiene una personalidad diferente, pero escuchando el disco completo, de principio a fin, se entrelazan perfectamente, es la consecución de lo homogéneo a través del eclecticismo.

El álbum no consiguió el elevado éxito del Dark Side of the Moon, aunque sí que alcanzó el número uno en las listas de ventas y su calidad es igual o superior a la de aquél.

Échales un ojo en:

http://www.pinkfloyd.com

http://www.pinkfloyd.net

Drive-by truckers (introducción)

Muscle Shoals. En este pequeño pueblo de Alabama comienza la andadura de uno de los mejores grupos del panorama del rock actual, Drive by Truckers. El southern rock es reinventado por una banda que bebe de diversas fuentes, teniendo su base en el folk, el country y el rock and roll.

Conociéndose desde el instituto, Mike Cooley y Patterson Hood (comenzaron a tocar juntos hacia 1985 en una banda de rock llamada Adam's house cat, en la que estuvieron seis años) formaron Drive by truckers en 1996, sacando su primer disco en 1998 (Ganstabilly) aunque no conseguirían repercusión a nivel nacional hasta 2001, con Southern rock opera. A partir de aquí el grupo no hizo más que crecer a diversos niveles (comercial y musicalmente), teniendo en cuenta como punto de inflexión la llegada al grupo de Jason Isbell en 2003, que dio lugar a uno de los mejores discos del grupo, Decoration day (uno de los más aclamados por la crítica y el preferido por el público en su gran mayoría). A este disco le seguirían The Dirty south (2004) y el que es por ahora su último trabajo, A blessing and a curse (2006). Actualmente, tras la marcha de Jason Isbell en abril (una lástima teniendo en cuenta que, junto con Patersoon Hood, era el principal letrista y una parte fundamental del grupo) y con John Neff como nueva incorporación, se encuentran de gira por Estados Unidos y es más que seguro que tras una pequeña pausa también pasen por nuestro país en su tour europeo.

Échales un ojo en:

http://www.drivebytruckers.com/

Échales una oreja en:

http://www.myspace.com/drivebytruckers